Barroco: Giovanna Garzoni

La italiana Giovanna Garzoni fue, en su época, una exitosa pintora de miniaturas que desarrolló especialmente el género de la naturaleza muerta, aunque también incursionó en el retrato y los temas religiosos. La artista, nacida en Ascoli Piceno en el año 1600, no fue hija de un pintor como solía suceder con las mujeres que llegaron a dedicarse la esta actividad, pero sus progenitores, Giacomo Garzoni y Isabetta Gaia, venían de familias de artesanos. Su talento fue descubierto cuando era aprendiz de un farmacéutico de su pueblo. Una carta escrita por ella en 1620 revela que fue entrenada en la pintura por Giacomo Rogni.

Su primera pintura firmada fue una Sagrada familia, realizada cuando tenía 16 años. Otro de sus más tempranos trabajos fue un libro de caligrafía adornado con frutas, pájaros y flores, que fue publicado en 1625.

A los treinta años Giovanna abandonó Venecia para trasladarse la Nápoles con su hermano. En esta ciudad trabajó bajo el mecenazgo del Duque español de Alcalá, pero en sus cartas expresa que allí no era feliz, y al retornar el duque a España la artista se mudó a Turín, aceptando una invitación del Duque de Saboya. En este sitio trabajó durante cinco años y en 1640 viajó la Florencia, donde trabajó para la Corte de los Medici, pintando varios bodegones para el Gran Duque Ferdinando II.

Hacia el año 1654 la artista se trasladó a Roma donde fue miembro de la Accademia di Sano Luca (asociación de artistas fundada en 1593), hecho fuera de lo corriente en esa época ya que no era costumbre admitir mujeres, pero consta en los registros que recibió los mismos beneficios que sus pares masculinos.

La obra de Giovanna Garzoni muestra la influencia de Jacopo Ligozzi, pintor, ilustrador y miniaturista que también desarrolló una obra descriptiva de la fauna y la flora de carácter casi científico. Este tema era de gran interes para los Medici, especialmente el duque Ferdinando II y su hermano, el cardenal Leopoldo. Muchos de los trabajos de Giovanna que hoy sobrevivieron y se encuentran en diferentes museos provienen de la colección cuidadosamente conservada por el Duque Ferdinando II y su esposa, la Gran Duquesa Vittoria della Rovere. Casi 40 obras suyas fueron rastreadas en colecciones florentinas y otras fueron registradas en los inventarios de los Medici de los siglos XVII y XVIII.

Las miniaturas de Giovanna, realizadas sobre una especie de pergamino hecho de fino cuero con pintura de acuarela o gouache, muestran una interesante simbiosis entre la convencional naturaleza muerta y el estudio científico botánico. La utilización de un medio acuoso en lugar del óleo les otorga frescura y ligereza. Detalles que dan vitalidad la estas composiciones son la inclusión de insectos y los efectos de luz y sombra, que crean una interacción entre los elementos representados.

Gracias a la Accademia di San Luca, que guardia excelentes registros, se pueden conocer detalles de la vida de esta artista, lo que fue de gran importancia, puesto que en su época solo se hizo una breve mención sobre ella en Meraviglie dell’Arte de Carlo Ridolfi, obra del año 1648. Hay que tener en cuenta que el género que desarrolló era considerado de menor importancia por la historiadores del arte, frente a la figura humana y los temas religiosos. Posteriormente, Lione Pascoli, en su obra Vite (1730-1736) escribe que esta artista tuvo la posibilidad de poner el precio que quisiera por su arte. El éxito con sus clientes le permitió tener una gran independencia económica y algunos mencionan que por este motivo pudo retirarse a la edad de 43 años.

La artista fue prácticamente desconocida hasta que en 1964 se realizó una exposición de naturalezas muertas en Italia que mostraba algunos de sus trabajos.

Julia Bracewell Folkard

Julia Bracewell Folkard fue una pintora británica.

Fue estudiante en la Royal Academy. Compartió una medalla de plata con Julia Cecilia Smith por sus pinturas. La medalla de oro de ese año fue llevada por Jessie MacGregor. Se observó cómo estas tres mujeres revelaron la tontería de las reglas que excluían a las mujeres de convertirse en miembros de pleno derecho de la Real Academia.

Se convirtió en una pintora de retratos y géneros que fue expositora frecuente en la Royal Academy y Suffolk Street desde 1872. Su pintura I Showed the the Ring and Implored Her to Marry se incluyó en el libro de 1905 Mujeres Pintoras del Mundo.

Sarah Purser

Sarah Henrietta Purser fue una artista irlandesa conocida principalmente por su trabajo con vidrieras.

A los trece años asistió a la escuela de Moravia, Institución Evangélique de Montmirail, Suiza, donde aprendió a hablar francés con fluidez y comenzó a pintar. En 1873 el negocio de su padre fracasó y ella decidió convertirse en pintora a tiempo completo. Asistió a clases en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín. Se unió al Dublin Sketching Club, donde más tarde fue nombrada miembro honorario. En 1874 se distinguió en la Competencia Nacional. En 1878 volvió a contribuir a la RHA, y durante los siguientes cincuenta años se convirtió en expositora habitual, principalmente retratos, y mostró un promedio de tres obras por exposición.

En 1878-79, estudió en la Academia Julian en París, donde conoció a la pintora alemana Louise Catherine Breslau con quien se convirtió en una amiga de toda la vida.

Sarah Purser se hizo rica a través de inversiones astutas, particularmente en Guinness, en la que varios de sus parientes varones habían trabajado a lo largo de los años. Ella era muy activa en el mundo del arte en Dublín y participó en la creación de la Galería Municipal de Hugh Lane, persuadiendo al gobierno irlandés de proporcionar Charlemont House en Parnell Square para albergar la galería.

Fue la segunda mujer en formar parte de la Junta de Gobernadores y Guardianes, Galería Nacional de Irlanda.

Fue nombrada Miembro Honorario de la Real Academia Hiberna en 1890; primera mujer miembro asociada en 1923 y la primera mujer miembro en 1924.

En 1924 inició el movimiento para el lanzamiento de los Amigos de la Colección Nacional de Irlanda.

Trabajó principalmente como retratista. A través de su talento y energía, y debido a su amistad con los Gore-Booths, tuvo mucho éxito en la obtención de comisiones.

Cuando el virrey de Irlanda le encargó que retratara a sus hijos en 1888, su elección reflejó su posición como la principal retratista del país.

Sarah Purser financió An Túr Gloine (The Tower of Glass), una cooperativa de vitrales, en 24 Upper Pembroke y lo dirigió desde su inauguración en 1903 hasta su retiro en 1940. Purser determinó que el taller de vidrieras debe adherirse a la verdadera filosofía de Artes y Oficios: “Cada ventana es obra de un artista que hace el boceto y la caricatura y selecciona y pinta cada bocado de vidrio él mismo”.

Purser no produjo muchos artículos de vidrieras por sí misma. La mayoría de las vidrieras fueron pintadas por otros miembros de la cooperativa, presumiblemente bajo su dirección.

Helen Allingham

Helen Allingham (de soltera, Helen Mary Elizabeth Paterson) fue una conocida acuarelista e ilustradora inglesa de la época victoriana.

En 1867 marchó a estudiar arte a la Female School of Art de Londres, y se convirtió en ilustradora de libros para niños. Fue una gran amiga de Kate Greenaway.

Ilustró varios libros, incluyendo Six to sixteen: a story for girls (1876), Happy England (1903) y The homes of Tennyson (1905), escrito junto su hermano Arthur Paterson.

Tras su matrimonio con Allingham, se dedicó a la acuarela, y fue la primera mujer en convertirse en pleno miembro de la Royal Watercolour Society. Además de paisajes, realizó varios retratos, incluyendo uno de Thomas Carlyle. Es más conocida por sus escenas rurales, particularmente sus encantadoras vistas de cottages de Surrey y Sussex.

Jessie Macgregor

Jessie Macgregor fue una pintora británica.

Macgregor aprendió a dibujar en la academia de dibujo de Liverpool, dirigida por su abuelo Andrew Hunt. Sus padres se fueron a vivir a Londres y ella comenzó a estudiar pintura allí, convirtiéndose en alumna en las Escuelas de la Royal Academy, donde sus maestros eran Lord Leighton, P. H. Calderon, R.A. y John Pettie, R.A. 

Ella ganó una medalla de oro en la Royal Academy por la pintura de historia en 1871. Fue la segunda mujer después de la medalla de oro de Louisa Starr en 1867, y la última mujer en hacerlo hasta 1909. Ella venció a Julia Cecilia Smith y Julia Bracewell Folkard. Se observó cómo los logros de estas tres mujeres revelaron la tontería de las reglas que excluían a las mujeres de convertirse en miembros de pleno derecho de la Real Academia.

Macgregor exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Su pintura In the Reign of Terror se incluyó en el libro de 1905 Mujeres Pintoras del Mundo.

Lucy Tejada

Lucy Tejada Sáenz fue una artista colombiana contemporánea.

Lucy Tejada Saenz nació en Pereira, Colombia el 9 de octubre de 1920 y murió en Cali, Colombia el 2 de noviembre de 2011, proviene de una familia de artistas su hermano Hernando Tejada también fue pintor. 

Estudio su bachillerato en el Liceo Belalcázar. Tras la muerte de su madre, Lucy se trasladó a Bogotá a estudiar en la Universidad Javeriana Arte y Decoración, y de ahí pasó a la Escuela de Bellas Artes donde se gradúa. Allí conoce al también pintor Antonio Valencia, que más tarde sería su esposo.

Completó su formación en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Escuela de Artes Gráficas de Madrid, España. Después de un viaje a la Guajira, en el año 1947 hace su primera exposición. En los años 50 viajó durante cinco años por Europa viviendo estancias en Madrid, París y Bucarest, donde descubre los grandes museos del mundo y donde reafirma su pasión por la plástica.

Tiene obras en el Club Rialto de Pereira, el museo la tertulia de Cali y en la Biblioteca Luís Ángel Arango, de Bogotá. Figura como pintora expresionista con figuración poética, donde abunda la inspiración sensual y erótica. Sus personajes, seres imaginarios de ojos negros y profundos viven en sus pinturas, que se parecen a su mundo, un mundo hermoso, ideal, habitado sólo por mujeres y niños. 

Lucy Tejada ha sido una de las creadoras más talentosas e ingeniosas que han surgido en Colombia. Ella tuvo muchas facetas como pintora, dibujante, muralista, grabadora e investigadora de variadas técnicas. Aunque estuvo retirada varios años debido a su ceguera, su obra ya se había consolidado como un referente indiscutible en el arte contemporáneo colombiano. Desde la década de los años cincuenta, su obra tuvo gran proyección internacional cuando participa de bienales en Venecia, Sao Paulo, México, Córdoba-Argentina, Medellín, San Juan-Puerto Rico y La Habana-Cuba.

Vinnie Ream

Lavinia Ellen “Vinnie” Ream Hoxiefue una escultora estadounidense. Su obra más famosa es la estatua del presidente de los Estados Unidos, Abraham Lincoln, en la rotonda del Capitolio de los Estados Unidos. 

En 1863, James S. Rollins presentó a Ream al escultor Clark Mills. Se convirtió en aprendiz en el estudio de escultura de Mills al año siguiente, a la edad de diecisiete años. En 1864, el presidente Lincoln acordó modelar para ella en la mañana durante cinco meses, y ella creó un busto de su figura. Durante este tiempo, Ream también comenzó intensos esfuerzos de relaciones públicas, vendiendo fotografías de sí misma y solicitando atención de los periódicos como estrategia de marketing.

Vinnie Ream fue galardonada con la comisión por la estatua de mármol Cararra de Lincoln de tamaño completo por votación del Congreso en 1866 cuando la artista tenía 18 años. Ream fue la artista más joven y la primera mujer en recibir una comisión como artista del gobierno de los Estados Unidos por una estatua. Ella recibió el encargo de la estatua de Lincoln de mármol de Carrara a tamaño real por votación del Congreso el 28 de julio de 1866, cuando tenía 18 años. Ella había usado su busto anterior de Lincoln como su entrada en el concurso de selección para la escultura de tamaño completo.

Vinnie Ream también diseñó la primera estatua independiente de un nativo americano (Sequoyah) que se colocará en Statuary Hall en el Capitolio. Ella construyó el primer gran monumento a un oficial de la Marina de los EE. UU. (Almirante David Farragut) que se construirá en Washington, D.C.

Estudió con Léon Bonnat en París, y también produjo bustos de Gustave Doré, Père Hyacynthe, Franz Liszt y Giacomo Antonelli. Su estudio en Roma estaba en 45 Via de San Basile. Ella conoció a Georg Brandes en ese momento. Mientras estaba en Roma, se enfrentó a rumores controvertidos que afirmaban que eran los trabajadores italianos y no Ream los responsables de su exitosa escultura de Lincoln. 

Cuando la estatua estuvo completa, Ream regresó a Washington. El 25 de enero de 1871, su estatua de mármol blanco del presidente de los Estados Unidos, Abraham Lincoln, fue presentada en la rotonda del Capitolio de los Estados Unidos, cuando Ream tenía solo 23 años. Más tarde abrió un estudio en 704 Broadway, Nueva York. En 1871, expuso en la Feria del Instituto Americano. 

Básicamente, su trabajo cesaría durante su matrimonio porque su marido sentía que no era apropiado que una esposa victoriana ganara dinero, y ella siguió sus deseos.

Sus canicas, América, Occidente y Miriam, se exhibieron en el Edificio de la Mujer en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois. Ream diseñó la primera estatua independiente de un nativo americano, Sequoyah, que se colocará en Statuary Hall en el Capitolio. 

Se emitió un sello de la portada del primer día en honor a Vinnie Ream y su trabajo en la estatua de Sequoyah, el inventor nativo americano del alfabeto cherokee.

Marie Duval / Émilie de Tessier

Caricaturista, actriz y escritora británica de origen francés.

Isabelle Émilie de Tessier que trabajó bajo el seudónimo de Marie Duval, fue una dibujante francesa, conocida como co-creadora del personaje de dibujos animados seminal de Ally Sloper.

Como co-creadora de Ally Sloper con su marido Charles Henry Ross, Tessier fue una de las primeras mujeres dibujantes en Europa y una de las cuatro colaboradoras de la revista satírica británica Fun, editada por Ross. 

Además de las tiras cómicas Ally Sloper, Duval produjo numerosas ilustraciones, dibujos animados y tiras cómicas de página completa para la revista a mediados del siglo XIX. 

Cuando al personaje de Ally Sloper se le dio su propia revista, las historietas de Duval fueron reimpresos sin su firma.

Duval también fue actriz en el teatro inglés y autora de Queens and Kings and Other Things, una colección de versos ilustrados sin sentido publicados bajo el seudónimo de la princesa Hesse Schwartzbourg.

Ellen Thayer Fisher

Ellen “Nelly” Thayer Fisher fue una ilustradora botánica estadounidense. Fisher exhibió sus pinturas en la Academia Nacional de Diseño y otras exposiciones. Fue una colaboradora activa de las exposiciones de la Sociedad Americana de Acuarelas, que comenzó en 1872. Además de mostrarse en galerías y exposiciones, sus pinturas de flora y fauna fueron ampliamente reproducidas como cromolitografías por el editor de Boston Louis Prang,

Ellen probablemente fue autodidacta, pero puede haber aprendido técnicas de dibujo y pintura de su hermano menor, el artista Abbott Handerson Thayer, Denegado el acceso a modelos desnudas debido a su género, se centró en la flora y la fauna. Ella es mejor conocida por sus acuarelas.

Fisher participó activamente tanto antes como después de su matrimonio en la Asociación de Arte de Brooklyn, en las exhibiciones de la Academia Nacional de Diseño, en la Academia de Pensilvania y la American Water Color Society.

Fisher trabajó para Louis Prang, cuya compañía utilizó sus obras y las de muchas otras artistas para producir tarjetas de felicitación con cromolitografía, Fue una de las ilustradoras de las fantasías Flower de Alice Ward Bailey, descrita como un “volumen exquisito”, “encantador tanto para la vista como para la mente”.

Fisher exhibió su trabajo en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Kate Greenaway

Catherine «Kate» Greenaway fue una escritora e ilustradora de libros infantiles inglesa, conocida por sus ilustraciones de libros infantiles. 

Más de un siglo después de su muerte, su obra sigue siendo buscada, y la Medalla Kate Greenaway, un premio anual otorgado desde 1955 a la excelencia en el campo de la ilustración infantil, se brinda en su honor.

Su padre, John Greenaway, era dibujante y grabador y su madre, Catherine Elizabeth Jones, era costurera. Su padre grabó ilustraciones para publicaciones semanales, entre ellas The Illustrated London News, a menudo trayendo a casa los bloques de madera para tallar durante la noche. El trabajo interesó a su pequeña hija, y Kate estuvo expuesta a ilustraciones de John Leech, John Gilbert y Kenny Meadows. 

A los 12 años, comenzó las clases nocturnas en la cercana escuela de Finsbury, una sucursal local de la Escuela de Arte de South Kensington que participaba en el Curso Nacional de Capacitación Artística en artes decorativas. Se ofrecieron cursos nocturnos, abiertos solo para mujeres, en dibujo, pintura de porcelana, grabado en madera y litografía. Se matriculó a tiempo completo un año después. El plan de estudios, diseñado por Henry Cole, estaba destinado a capacitar a los artesanos en el diseño de papel tapiz decorativo, azulejos y alfombras. Hubo cuatro etapas de cursos, que completó en 1864 antes de ir a la Royal Female School of Art.

El director de la Royal Female School of Art era Richard Burchett, a quien Elizabeth Thompson describió como un “hombre barbudo, con una calavera de terciopelo y ojos fríos”. Greenaway era bastante tímida y se consideraba simple y poco atractiva en comparación con los otros estudiantes. Sin embargo, se hizo amiga de Thompson, mucho más popular, con quien compartió un estudio. Las dos jóvenes trabajaron diligentemente en su estudio para perfeccionar sus habilidades. En este punto, se le permitió dibujar figuras humanas, primero de moldes de yeso y luego de modelos vestidas con trajes históricos u ornamentales, habilidades que aplicó durante los veranos en Rolleston. Sin embargo, ella no pudo dominar completamente la anatomía humana; frustrada porque las modelos desnudas no estaban permitidas en las clases de mujeres, se inscribió en clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes de Heatherley, donde conoció a Edward Burne-Jones, Edward Poynter y Walter Crane. 

Entonces acudió a la Central School en Kensington (Gran Londres), pero por aquella época a las mujeres no se les permitía realizar dibujos de desnudos, por lo que acabó yendo a la Slade School of Art, donde sí ofrecían una misma educación a ambos sexos. Además, por las tardes acudió a la Heatherley’s School of Art.

Mientras todavía estaba en la escuela, Greenaway recibió comisiones por ilustraciones de libros infantiles. El primero llegó en 1867 para un frontispicio para diversiones infantiles, estableciendo un camino hacia la especialización en libros infantiles.

Comenzó a exhibir dibujos en 1868, y sus primeras ilustraciones publicadas aparecieron en revistas como Little Folks. 

El nuevo, popular y lucrativo mercado de tarjetas coincidió con el final de la capacitación formal de Greenaway. Las tarjetas de felicitación aparecieron por primera vez en la década de 1840, y en la década de 1860 el mercado explotó. El fabricante de tarjetas Marcus Ward & Co contrató a Greenaway en 1871 de manera independiente. Con su reputación de trabajo de calidad, la firma Belfast fue una de las principales impresoras de tarjetas de la era Victoriana. Sus diseños se vendieron bien y dijeron de su trabajo que “su talento especial estaba en la dirección de las figuras de vestuario y los colores delicados”. Las primeras tarjetas de San Valentín vendieron 25.000 copias en semanas.

Kate también se inscribió en la Slade School of Art cuando se abrió en 1871 porque anunciaban la igualdad de oportunidades educativas para hombres y mujeres. En este punto, Kate asistía tanto a las conferencias diurnas en la Escuela Nacional de Capacitación Artística en South Kensington, como a las clases de dibujo de la vida nocturna en la Escuela de Arte de Heatherley y la Escuela de Arte Slade.

Su primer libro, Bajo la ventana (1879), una colección de sencillos e idílicos versos sobre niños editado por Edmund Evans utilizando un proceso ideado por él mismo para realizar xilografías en color,​ se convirtió en un éxito de ventas en su época, vendiendo rápidamente las 2000 copias iniciales y obligando a la editorial Routledge a realizar una nueva reimpresión.

Las pinturas de Greenaway fueron reproducidas por cromografía, mediante la cual los colores fueron impresos a partir de bloques de madera grabados a mano por la firma de Edmund Evans. Durante las décadas de 1880 y 1890, sus únicos rivales en popularidad en la ilustración de libros infantiles fueron Walter Crane y Randolph Caldecott.

En 1890, Greenaway fue elegida para el Instituto Real de Pintores en Acuarelas, y en 1891, 1894 y 1898 expuso dibujos de acuarela, incluidas ilustraciones para sus libros, en la galería de la Sociedad de Bellas Artes (por la cual se exhibió una selección representativa en 1902). Kate Greenaway fue una ilustradora y escritora de fines del siglo XIX. Junto a Randolph Caldecott y Walter Crane, ella fue una de los tres más respetados, influyentes y populares ilustradores para niños de la época. 

Sus historias eran por lo general idílicas y agradables, con un enfoque en la naturaleza; niños felices eran representados con flores, pájaros, animales y otros elementos naturales. Sus admiradores opinan que el hecho de haber sido educada en el hogar y en un lugar solitario, pasando mucho tiempo sola en el campo, pudo haberle ayudado a comprender e imaginar lo que los niños necesitaban y amaban. 

Neoimpresionismo: Anna Boch

Participa del movimiento puntillista, neoimpresionista. Alumna de Isidore Verheyden, fue influenciada por Théo van Rysselberghe, que encontró en el grupo de Les XX (Los Veinte).

Sin contar sus propias obras Anna Boch tenía una de las colecciones de pinturas impresionistas más importantes de su época. Ella promovió a jóvenes artistas como Vincent van Gogh, a quien ella admiraba por su talento. Vincent era amigo de su hermano Eugène Boch, ella le compró el cuadro La Vigne rouge (La viña roja) por la suma de 400 francos; pero también van Gogh vendió otras 2 más en toda su vida, Puente de Clichy, y finalmente un Autorretrato.

La colección de Anna Boch fue vendida después de su muerte, y según su deseo, los recursos se emplearon para apoyar el retiro de sus pobres amigos artistas.

Lilla Cabot Perry

Lilla Cabot Perry fue una artista estadounidense que trabajó dentro del Impresionismo, con retratos y paisajes en la manera libre de su mentor, Claude Monet. Perry comenzó su carrera como una artista sin formación – no empezó su educación formal hasta los 36 años. Aunque provenía de una familia con dinero, Perry se basó en sus pinturas a lo largo de toda su vida para proporcionar a su familia el sustento con el que sobrevivir.

Su vida le proporcionó innumerables experiencias que formaron grandemente su estilo y la temática de su obra. Desde sus primeras influencias por parte de la filosofía de Ralph Waldo Emerson y su amistad con Camille Pissarro a su formación posterior con artistas del Impresionismo, realismo, simbolismo y el movimiento realista social alemán – las influencias de Perry tenían muchas facetas. El resultado de esta mezcla de movimientos artísticos y estilos es una obra que está marcada por una elegante presentación del color, la luz y la vida.

Nació en Boston, hija del distinguido cirujano Dr. Samuel Cabot. Tuvo una educación liberal que abarcó literatura, poesía y música. Hay algunas referencias a que Perry tenía sesiones informales de esbozos con sus amigos; sin embargo, no tuvo un aprendizaje formal hasta 1884. Debido a la prominencia de su familia, tuvo relaciones desde la infancia con destacadas figuras como Ralph Waldo Emerson, Louisa May Alcott, y James Russell Lowell. Después de la guerra civil, la familia se trasladó a una granja en Canton, Massachusetts.

En 1884 Perry comenzó su formación artística con el retratista Alfred Quentin Collins, que había estudiado en la Académie Julian de París con Léon Bonnat. Sin embargo, hasta 1885 no encontró un artista que verdaderamente inspirara su estilo personal. Ese año trabajó con Robert Vonnoh, un artista que trabajaba en el estilo impresionista al aire libre en Grez-Sur-Loing en Francia. La obra de Vonnoh representaba una marcada diferencia con el estilo formal que Perry había conocido hasta entonces, y es esta experiencia la que plantó las semillas para la dedicación de Perry al Impresionismo durante el resto de su vida.

En 1885 acudió a clases con Dennis Bunker en la prestigiosa Escuela de Arte Cowles de Boston, donde aprendió «teorías liberales» en la creación de un arte realista, teorías que Perry aceptó grandemente, era una pintora especial

Perry marchó a París donde recibió formación en la Academia Colarossi y pasó mucho tiempo estudiando a los antiguos maestros del Louvre, además de viajar a España para copiar obras en el Museo del Prado y a Múnich (1888), donde estudió con el realista social alemán Fritz von Uhde.

El día que conoció la obra de Claude Monet lo que supuso una revelación en su carrera como artista. Ese día decidió trasladarse a Giverny, donde vivía Monet, para captar mejor el estilo impresionista. Entre 1889 y 1909, Perry pasó nueve veranos en Giverny. Allí fue donde se encontró plenamente como artista. Durante su tiempo en Giverny formó una amistad íntima con Claude Monet cuyo manejo impresionista del color y la luz inspiraron grandemente su obra.

Para el otoño de 1889 Perry se había marchado de Giverny para recorrer Bélgica y Holanda y para noviembre había regresado a Boston con su familia. La carrera artística de Perry adquirió un nuevo significado cuando regresó a Boston. No estaba contenta con simplemente pintar en el nuevo estilo que había adquirido en el extranjero. Quería «fomentar una nueva verdad en pintura»..” Para lograr su objetivo de esta nueva verdad, entre otras actividades, dio una conferencia sobre Claude Monet el 24 de enero de 1894 en la Asociación de Estudiantes de Arte de Boston. En 1893 Perry fue elegida para representar a Massachusetts en la Exposición Universal de Chicago, Illinois; allí expuso siete cuadros.

Una nueva influencia recibió Perry cuando su marido obtuvo un puesto docente en Japón. Allí vivió durante tres años. Allí expuso sus obras. El contacto con el mundo oriental tuvo un gran impacto en su obra e hizo posible que desarrollara un estilo único que aunaba las tradiciones estéticas del mundo occidental y el oriental.

A lo largo de su carrera como artista, Perry se vio hondamente involucrada en las comunidades artísticas de todas las ciudades en las que vivió y promovió activamente el estilo impresionista. Las pasiones de Perry no desaparecieron con el tiempo. No le gustaban las tendencias de vanguardia de principios de siglo. En 1922 tuvo su primera exposición individual, en la Galería Braus de la Avenida Madison (Nueva York).

Manierismo: Orsola Maddalena Caccia

No son pocos los ejemplos de monjas que desarrollaron su obra pictórica en los conventos. Entre ellas se encuentra Orsola Maddalena Caccia, nacida en Moncalvo, Italia, en el año 1596 con el nombre de Theodora, hija del pintor Guglielmo Caccia, conocido también como Il Moncalvo. Al ingresar en el convento de las Orsolinas de Bianzé, un municipio del norte de Piamonte, Italia, cambió su nombre por Orsola Maddalena. En 1625 se trasladó a un convento dedicado a Santa Orsola que su padre fundó en Moncalvo, donde se convirtió en abadesa. Tenía dos hermanos y cinco hermanas, cuatro de las cuales también tomaron los votos religiosos.

Orsola aprendió a pintar con su padre, a quien al principio ayudaba a colorear y realizar las figuras secundarias de sus obras. Ella y su hermana Francesca se dedicaron a la pintura, organizando el estudio del convento donde se enseñaba a las novicias y se tomaban encargos externos. Dos alumnas de Orsola ingresaron al convento sin aportar las dotes requeridas por el hecho de tener habilidades artísticas prometedoras que significaban beneficios económicos para la orden. Francesca murió joven, a los 26 años, y Orsola tuvo más tiempo de perfeccionar su arte durante su vida, que duró ochenta años.

Orsola se dedicó especialmente a la pintura de naturalezas muertas, además de realizar imágenes devotas y retablos. Su estilo en los bodegones es similar al de la pintura arcaica flamenca o nórdica, especialmente de Ludger Tom Ring el Viejo y Georg Hoefnagel, presentando una estructura compositiva simple y equilibrada, con cada elemento situado cuidadosamente, con énfasis en la verticalidad, especialmente en las obras con motivos florales. Suele incluir en sus bodegones trozos de frutas y un animal, generalmente un pájaro o un insecto.

También en las imágenes religiosas incluye naturalezas muertas. Se dedicaba además a la elaboración de otros objetos de devoción y obras de pequeño formato de un estilo de gran delicadeza heredado de su padre. Estas obras se encuentran en colecciones particulares, en palacios, museos e iglesias de Piamonte y se reconocen por la firma que distingue a la pintora, constituida por una flor o un ramo. Entre sus encargos más importantes figuran el retablo que representa el Matrimonio místico de la beata Osanna Andreasi (1648), en la iglesia de Carbonarola, Mantua, y el retablo de San Juan el Bautista (1644), en la iglesia de San Martin y Stefano, Montemagno.

Eva Gonzalès

Eva Gonzalès fue una pintora impresionista francesa de origen español y monegasco.

Hija del escritor español naturalizado francés, Enmanuel Gonzalès, comienza a estudiar pintura a los 16 años. Discípula de Charles Joshua Chaplin, más tarde lo será de Édouard Manet, en cuyo taller será modelo y alumna. La influencia de Manet en su pintura es visible hasta 1872, después su estilo se vuelve más personal, especializándose en obras al pastel y tonalidades claras.

Ellen Gertrude Cohen

Ellen Gertrude Cohen, fue una pintora e ilustradora británica.

Estudió en Slade y The Royal Academy School en Londres antes de mudarse a París y estudiar con Benjamin Constant y Jules Laurens. 

Expuso su trabajo en la Royal Academy, el Royal Institute of Painters in Water and Oil Colors y el Salón de París.

En París, expuso en el Salón (Campos Elíseos) desde 1894. 

También es una colaboradora constante en las exposiciones realizadas por el Royal Institute of Painters in Water and Oil Colors.

Cohen exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Cohn creó ilustraciones para una variedad de publicaciones británicas, incluida la revista The Strand. 

Sus experiencias parisinas, escritas y esbozadas por ella, aparecieron en “The Strand Magazine” y “The Studio”.

Pintura Victoriana: Edith Corbet

Edith Corbet nacida Edenborough fue una pintora paisajista victoriana, que tenía estrechas asociaciones con el grupo Macchiaioli (también conocido como los toscanos o etruscos), quien, en una ruptura con la tradición, pintó al aire libre para capturaron efectos de luz natural y favorecieron un formato panorámico para sus pinturas.

Edith Edenborough nació en Goulburn, Nueva Gales del Sur, Australia, la segunda hija y el quinto hijo de Henry Edenborough y Margaret Stedman. La familia Edenborough vino de Leicestershire, pero se mudó a Londres, donde se convirtieron en prósperos comerciantes de calcetería y seda. Henry Edenborough era un capitán de barco e hizo varios viajes a Australia entre 1833 y 1837, decidiendo establecerse allí en 1840. 

Se casó con el pintor e ilustrador victoriano Arthur Murch y se mudó a Roma, donde pintó con Giovanni Costa, líder del grupo Macchiaioli. En 1876 ambos se quedaron en Venecia. Olivia Rossetti Agresti escribió:” Costa tenía una opinión muy alta de los dones de este artista y solía recordar con placer cómo en esa ocasión salían juntos a pintar de la naturaleza en Fusino” (Agresti, 1904).

Con frecuencia expuso desde 1880 hasta 1890 en la Grosvenor Gallery y la New Gallery. En 1891, después de la muerte de su primer esposo, se casó con Matthew Ridley Corbet, uno de los principales miembros del grupo Macchiaioli, después de lo cual expuso principalmente en la Royal Academy, visitando Italia y viviendo en Londres por el resto de su vida. Corbet exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Elizabeth Southerden Thompson, Lady Butler

Elizabeth Southerden Thompson, conocida también como Lady Butler, nombre que tomó al casarse con el mayor William Butler, fue una pintora y escritora inglesa.

Elizabeth Thompson, nacida en una acomodada familia, pasó parte de su infancia y de su juventud en Francia e Italia, donde estudió arte.

Se afincó en Inglaterra y comenzó a dedicarse plenamente a la pintura especilizándose en cuadros de batallas, temática en la que llegó a ser admirada por artistas e intelectuales de la época, entre los cuales John Ruskin consideraba sus pinturas como unas de las mejores obras prerafaelitas.

Contrajo matrimonio con el mayor William Butler lo que fue un revulsivo a su carrera de pintora, ya que viajó con su marido a las en campañas militares y eso le ayudó a plasmar lo que veía, tanto en Egipto como en Sudáfrica.

Elizabeth Thompson fue una de las pocas mujeres que se dedicaron a la pintura de forma profesional en el siglo XIX, y además fue capaz de ganarse bien la vida pintando obras de gran formato de tema bélico.

Sus primeros cuadros, Pasando lista tras el combate, que representa a la revista de los soldados tras un enfrentamiento en la guerra de Crimea y El 28º Regimiento de Quatre Bras, fueron un gran éxito, pero cuando la artista plasmó en ellos el sufrimiento de los soldados, o las derrotas que en ocasiones los ejércitos sufrían, dejaron de tener éxito en la sociedad victoriana.

Su último cuadro lo pintó con 80 años y está basado en la Primera Guerra Mundial.​ Thompson tiene también una vertiente artística literaria, especializándose sobre todo en temática relacionada con los viajes que realizaba con su marido, por motivos del trabajo de éste.

Adela Ginés y Ortiz

Adela Ginés y Ortiz fue una pintora y escultora española. 

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y fue discípula de Carlos de Haes y Sebastián Gessa. Fue profesora en la Asociación para la Enseñanza de la Mujer y practicó el paisaje y la pintura de bodegones, especialmente los floreros. Se presentó con asiduidad a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, consiguió mención honorífica en 1887 y 1895, en la especialidad de pintura, en 1892 en escultura y tercera medalla en 1895 y 1899, también en escultura. Obtuvo tercera medalla en 1897 en la especialidad de pintura, con el óleo El presidio (naturaleza muerta con gallo, gallinas y uvas), y en 1901 con el cuadro Casa de vecindad, galardón que repitió en 1912. En 1899 obtuvo una mención honorífica en la Exposición Universal de París.

Louisa Starr

Louisa Starr, más tarde Louisa Canziani fue una pintora británica.

Starr nació en Londres y vivió en Russell Square cuando se convirtió en copista en el Museo Británico. Estudiando en la Royal Academy, mostró su primer trabajo allí en 1866 y en 1876 había mostrado 17 pinturas. Ella ganó una medalla de oro en la Royal Academy por la pintura de historia en 1867. Fue la primera mujer en hacerlo y fue seguida por la medalla de oro de Jessie Macgregor en 1871, pero la siguiente en hacerlo fue no hasta 1909.

Se casó con Enrico Canziani y posteriormente firmó sus obras con su nombre de casada. Su hija Estella Canziani también se convirtió en artista.

Ella exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Su pintura Sintram y su madre se incluyeron en el libro de 1905 Mujeres Pintoras del Mundo.

Harriet Backer

Harriet Backer fue una de las pintoras más reconocidas de Noruega. Alcalzó renombre por sus pinturas de interiores y paisajes de colores vivos y animada claridad. Alcanzó renombre por sus pinturas de interiores y fue una defensora y pionera de las mujeres artistas de su generación.

Ingresó a la Escuela de Pintura Johan Fredrik Eckersberg, donde estudiaría con Knud Bergslien como maestro. Realizó varios viajes por Europa en compañía de su hermana la pianista Agathe Backer-Grøndahl. Vivió en París durante 10 años junto a su amiga Kitty Kielland; en esa ciudad recibió la influencia del impresionismo, si bien su obra ha sido catalogada generalmente como realista. De regreso a Noruega se integró al Círculo de Lysaker, un grupo artístico-político de corte nacionalista que fomentaba la cultura tradicional y la independencia de Noruega.

Ganó una medalla de plata en la Exposición Universal de 1889, en 1908 recibió la Medalla al Mérito del Rey.

Sus obras se hallan en varios de los museos noruegos más importantes, como la Nasjonalgalleriet de Oslo y el Museo de Arte de Bergen. Otras más son propiedad del municipio de Bærum.

Harriet Backer llegó a París en 1878, siendo en ello uno de los primeros artistas noruegos de su generación y permaneció allí hasta 1888. Se había formado en las escuelas de arte de Christiania, había hecho largos viajes al extranjero y había estudiado de 1874 a 1878 en Múnich, donde uno de sus maestros fue el pintor noruego Eilif Petersen.

Basándose, en lo que siempre fue una composición pictórica concisa, la artista concibió gradualmente un uso libre y personal del color. Se estrenó en el Salón de París en 1880, y en la Exposición Universal de 1889 fue premiada con una medalla de plata por su interior En mi casa (1887, Nasjonalgalleriet, Oslo). Junto con Interior azul y Retrato de la pintora Kitty L. Kielland (ambos de 1883, Nasjonalgalleriet, Oslo), representa un paso en su proceso colorístico de liberación. Después de volver a Noruega en 1888, pintó una serie de interiores noruegos. 

La antigua iglesia de Tanum, en Baerum, le proporcionó motivos para sus primeros cuadros eclesiásticos, un género en el que había de hacer su mayor aportación, con obras importantes como Bautizo en la iglesia de Tanum (1892) y La sagrada comunión celebrada en la iglesia de Stange (1903, Nasjonalgalleriet, Oslo). Los paisajes de verano y bodegones de los últimos años de Harriet Backer marcaron una transición natural de la pintura de la década de 1880, con su acento en los valores y la textura, al colorismo libre de nuestro siglo.

Barroco: Clara Peeters

Clara Peeters fue una pintora flamenca considerada una de las iniciadoras del bodegón o naturaleza muerto en los Países Bajos.

Se caracterizó por popularizar el uso del autoretrato escondido en objetos de las naturalezas muertas que muchos otros artistas emularían.

Artista precoz, su primera obra conocida se data en 1607 cuando tenía catorce años de edad. Se desconoce todo el relativo a su formación, aunque su estilo muestra concomitancias con la obra de Osias Beert. Se supusieron estancias en Ámsterdam y La Haya que no pudieron ser documentadas, pero su estilo maduro muestra, en efecto, influencias de los bodegonistas holandeses. Con todo y la falta de documentación más precisa, el período de actividad probable, en el que quedan comprendidas sus obras firmadas, iría de 1607 a 1621.

Estaba especializada en el género del bodegón, en particular como autora de escenas de desayuno y florales en las que objetos preciosos de metal o cerámica se acumulan aparentemente desordenados junto a flores, frutos y piezas de pesca o caza creando un conjunto multicolor.

Minuciosa en el detalle, Peeters incluyó pequeños autorretratos en miniatura en los reflejos de las copas de algunos de sus bodegones. También era muy hábil a la hora de distinguir texturas. Algunos autores apuntan en sus pinturas simbolismos religiosos, singularmente en el Bodegón con un pescado y un gato, en el que el pescado, símbolo de Cristo, estaría colocado en la posición de una cruz.

El Museo Nacional del Prado cuenta con cuatro de sus bodegones, procedentes de la colección real y tres de ellos firmados en 1611.

En 2016 Clara Peeters se convirtió en la primera mujer pintora protagonista de una exposición en el Museo del Prado realizada con la colaboración del Museo Real de Bellas Artes de Amberes. Junto a su exposición se puso el foco en la situación de las mujeres artistas a principios de la Europa Moderna.

Pilar Escudero Ferro

Pilar Escudero Ferro nacida en una familia de artistas y de escultores. 

Retratista de varias generaciones de coruñeses y miembro de una familia de artistas Casada con el médico Alfonso Abelenda, tuvo dos hijos, el pintor Alfonso Abelenda, un gran artista con obra en los principales museos españoles y extranjeros, y Pedro, músico y showman. 

Pilar pertenecía a una familia de artistas, los  Escudero, oriundos de Pontevedra estaban ligados al negocio de la construcción. Miembro de una familia de artistas, escultores en su mayoría, su abuelo Saturnino Escudero Monteagudo y su bisabuelo, también Saturnino, hicieron realidad el Obelisco de Vittini, en el Cantón, el  Kiosco Alfonso o buena parte de los mausoleos del cementerio de Santo Amaro de A Coruña; su primo el escultor Escudero Couceiro fue miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes; su hermano Saturnino también se dedicó al arte. 

El taller de los Escudero (el mármol y la piedra eran su materia prima) se encontraba en la antigua calle del Socorro (hoy Juan Canalejo), que hace semiesquina a Sol en la zona del Orzán. 

Su padre, Saturnino  Escudero Monteagudo, y su tío José fueron enviados por el abuelo de Pilar a  Carrara, Italia, para formarse en la escultura y arquitectura. La estancia en Carrara y en Roma de los dos jóvenes Escudero fue al parecer fundamental para dar una dimensión más internacional a los talleres, que eran también lugar de tertulia. 

Los Escudero solían abrir sus talleres a otros artistas y así el escultor Villasenín hizo allí un busto del doctor Abelenda, una talla en madera.  Por su taller pasaría la intelectualidad republicana de la ciudad y figuras locales. En ese ambiente abierto y culto, en el que se mezclaban los saberes, la creación artística y las ideas republicanas convivían con las monárquicas, crecieron los Escudero Ferro. 

Por ellos pasaron desde el pintor Sotomayor al político Casares Quiroga, el violinista Manuel Quiroga, el diplomático y alcalde de A Coruña Gerardo Abad Conde, el pianista Vázquez Sebastiá, el escultor Antonio López o el pintor Manuel Abelenda.

También tuvo ocasión de pintar allí el gran Concheiro, que acabaría loco debido a una enfermedad genética.

Otra de las presencias asiduas era la del padre de Pablo Picasso, íntimo amigo de su abuelo, Saturnino Escudero, y el doctor Ramón Pérez Costales, además del gran pintor militar Román Navarro, profesor en la Escuela de Artes y Oficios.

En esos mismos talleres conoció Pilar al que iba a ser su marido, el doctor Alfonso Abelenda, que había ido a posar para el busto que le estaba haciendo Villasenín. Médico de la Marina Mercante y también aficionado al dibujo, pasaba la mayor parte del tiempo embarcado, lo que le permitía a Pilar y a sus dos hijos llevar una vida de horarios relajados y gustos bohemios.

Viajar era una de las grandes aficiones de Pilar Escudero, que con frecuencia acompañaba a su marido a visitar distintos países de Europa.

Vivió rodeada de artistas, así que no le resultó difícil ser uno de ellos, aunque su trabajo no haya trascendido como hubiera merecido. 

En ese caldo de cultivo, pocos maestros necesitaba Pilar Escudero, que se consideraba autodidacta, ya que tan sólo tomó algunas clases de pintura de Manuel Abelenda, amigo de la familia pero con el que no estaba emparentada. De esa época, aún guardaba Pilar en su casa de la plaza de Pontevedra sus pinitos al óleo, que reflejaban su mano para los pinceles. Pero ella prefirió el lápiz.

Se especializó en el retrato a lápiz. Habría podido ser una gran artista, pero sacrificó la carrera por el cuidado de la familia. Pese a ello, deja una buena colección de dibujos, porque en varias décadas no hubo en A Coruña familia que se preciase que no tuviese algún miembro retratado por Pilar Escudero.

Victorine Meurent

Victorine Louise Meurent, Meuran, Meurand o Meurend fue una modelo y pintora francesa, conocida sobre todo por aparecer en varios cuadros de Édouard Manet. Posó también para Alfred Stevens y Edgar Degas, ambos amigos de Manet.

De familia aficionada al arte, Victorine comienza a posar en 1850 para el pintor academicista Thomas Couture, con quien trabaja hasta 1863 y en cuyo estudio conoce en 1862 a Édouard Manet, a la vez que ejerce la prostitución en uno de los burdeles más conocidos de París.

Como pintora, se sabe que llegó a exponer hasta en seis ocasiones en el denominado Salón de París, cabiendo destacar que, lamentablemente, solo una de estas obras ha llegado hasta hoy. Se trata de Le jour des rameaux («El domingo de Ramos»), conservada en la actualidad en el Museo Municipal de Arte e Historia de Colombes.

Cuando fallece Manet en abril de 1883, Victorine se queda sin su único apoyo económico. Se dirige entonces a su viuda, la pianista y también modelo Suzanne Manet, para solicitarle un préstamo que el pintor le había prometido, pero le es denegado. Más adelante, Toulouse-Lautrec y Étienne Leroy le dejan el dinero para comprar un puesto de acomodadora en un teatro. Consigue ingresar en la Asociación de Artistas Franceses, que la beca en dos ocasiones. En 1906, vende su puesto y se retira a vivir con otra exacomodadora a Colombes.

Pintura Victoriana: Susan Isabel Dacre

Susan Isabel Dacre, conocida como Isabel Dacre, fue una artista inglesa de la época victoriana.

Nació en Leamington, Warwickshire, y se educó en una escuela de un convento en Salford. Durante la década de 1858-68 vivió en París, primero asistiendo a la escuela y luego trabajando como institutriz. Después de un invierno en Italia (1869), regresó a París, donde permaneció durante la Guerra franco-prusiana y la Comuna de París. Regresó a Inglaterra en 1871 y comenzó a estudiar arte en la Escuela de Arte de Mánchester, donde ganó el Queen’s Prize en 1875. Comenzó una relación que duraría toda su vida con su compañera también pintora, Annie Swynnerton; las dos mujeres continuaron sus estudios de arte en Roma y París entre 1874 y 1880.

Alrededor de 1872, durante una estancia en la isla de Capri, lord Leighton le enseñó su método de pintar y componer sus cuadros.

En los años 1877-1880 estuvo en París en la Academia Julian teniendo como compañera a Marie Bashkirtseff y compartieron el primer premio en el concurso mencionado en el famoso diario de Bashkirtseff.

Dacre estuvo asociada con la Academia en dos ocasiones diferentes:

En 1878-1879 fue cuando terminó un llamativo dibujo en tiza en blanco y negro, Retrato de una joven con gorra de satén (ca. 1879), propiedad de la Colección Andre Del Debbio, París.

Más tarde realizó varios trabajos que le permitieron entrar en el Salón de París. Su participación por primera vez en él en 1881 fue un retrato: Retrato de Mme. F.W. (no 579.) F.W. La Galería de Arte de Mánchester posee una conmovedora pintura al óleo Mujeres italianas en la iglesia. A lo largo de su carrera sus retratos fueron admirados en Italia, Inglaterra y París.

Después de vivir en Londres durante un tiempo regresó a Mánchester en 1883 y compartió un estudio en el número 10 de King Street con la artista Mary Florence Monkhouse. Tras mucha lucha, en 1897 Dacre fue nombrada miembro del consejo de la Academia de Mánchester de Bellas artes y Monkhouse fue nombrada auditora.

En la Royal Jubilee Exhibition celebrada en Manchester en 1887, expuso su obra y ayudó a Ford Madox Brown a decorar la cúpula de la exposición.

Dacre fue una conocida feminista y sufragista. Con Annie Swynnerton fundó la Sociedad de Mujeres Artistas de Mánchester en 1876; Dacre también presidió la organización. Durante una década (1885-95), fue miembro del comité ejecutivo en Manchester de la Sociedad Nacional para el Sufragio de la Mujer.

El retrato de la editora feminista Lydia Becker es uno de sus trabajos más conocidos.

Pintura Victoriana: Annie Robinson Swynnerton

Annie Louisa Robinson Swynnerton desde muy joven demostró su facilidad para la pintura y el dibujo realizando obras que servían para ayudar a la modesta economía familiar.

Su verdadera formación como pintora la llevó a cabo en la Manchester School of Art y, sobre todo, en la Academia Julian de París.

En esta época de estudios Annie R. Swynnerton ya dejó constancia de su conciencia feminista y sufragista que se materializaría en la fundación, en 1876, de la Manchester Society of Women Painters que promovió junto a la también pintora Susan Dacre.

El año 1879, Annie R. Swynnerton llevó a cabo su primera exposición individual en la Royal Academy, consolidándose como una de las mejores pintoras de la Inglaterra victoriana. Su prestigio se mantuvo siempre muy elevado y cada una de sus exposiciones resultaría un acontecimiento artístico de primer orden.

Durante un viaje de estudios a Italia conoció al pintor inglés Joseph Swynnerton con quien contrajo matrimonio en 1883. Desde entonces fijó su residencia en Roma aunque nunca dejó de viajar y exponer en Inglaterra.

En 1922, Annie R. Swynnerton fue la primera mujer que ingresó por elección en la Royal Academy (Angelica Kauffman y Mary Moser, pertenecieron a la Royal Academy como fundadoras pero no fueron elegidas).

Los últimos años de la vida de Annie R. Swynnerton se vieron enturbiados por sus problemas de vista que le impedían desarrollar con normalidad su actividad como pintora. Sin embargo, su fama nunca decayó y su influencia resultó importante en autores tan influyentes en su época como John Singer Sargent, quien siempre le profesó una gran admiración.

Marie Spartali Stillman

La pintora prerrafaelita, Marie Stillman.

El movimiento artístico conocido como prerrafaelita, que quiso recuperar la esencia del arte gótico, estuvo protagonizado e impulsado en su gran mayoría por pintores. Las mujeres fueron sus musas e inspiradoras de los grandes lienzos que legaron a la historia del arte. Pero algunas de aquellas hermosas modelos fueron también grandes pintoras. Una de ellas fue Marie Stillman, una mujer de belleza perfecta que se convirtió en una gran artista prerrafaelita.

Marie Euphrosyne Spartali nació  en una familia de origen griego muy acomodada. En su hogar, su padre organizaba veladas culturales con nombres destacados de las letras y el arte. 

Marie Stillman empezó a estudiar el arte de la pintura con Ford Madox Brown. Su obra pronto se vio atraída por la influencia de los pintores prerrafaelitas, para los que había posado en alguna ocasión. Así, sus lienzos se llenaron de hermosas figuras femeninas, preciosos paisajes y referencias a los grandes del pasado como Dante o Boccaccio. Una carrera artística que duró sesenta años y produjo más de cien cuadros que fueron expuestos en distintas galerías de arte de Inglaterra y Estados Unidos.

Mary Edmonia Lewis

Mary Edmonia Lewis fue una escultora estadounidense que desarrolló la mayor parte de su carrera en Roma, Italia siendo la primera mujer afroamericana y de raíces nativas en alcanzar la fama y reconocimiento internacional en el mundo de las artes escultóricas.

Su trabajo incorpora temas relacionados con las personas negras e indígenas de América en esculturas de estilo neoclásico. Hizo su aparición durante la Guerra de Secesión, y para fines del siglo XIX era la única mujer no caucásica que había participado y obtenido reconocimiento de alguna forma en la corriente artística estadounidense. En 2002, el profesor Molefi Kete Asante colocó a Edmonia Lewis en la lista de los 100 afroamericanos más importantes.

De padre sirviente liberto de ascendencia afro-haitiana​ y madre tejedora y cestera de los Mississauga Ojibwe (uno de los pueblos nativos más grandes de América del Norte, hoy presentes en Canadá) la futura artista se quedó huérfana de ambos en su primera infancia y pasó a vivir con sus tías maternas, subsistían fabricando y vendiendo cestos y mocasines a los turistas que visitaban las cataratas del Niágara. Su hermano mayor se hizo barbero y después se convirtió en un minero del oro en California, donde prosperó. Gracias a ello, pudo costearle los estudios a su hermana, ingresando en 1856 aunque era católica, en una escuela bautista abolicionista.

A los 15 años, Lewis se matriculó en el Oberlin College, donde se convirtió en una apasionada del arte. Sin embargo, durante su estancia en este centro, el primero en Estados Unidos en admitir alumnos afroamericanos, sufrió numerosos episodios en los que fue discriminada. Fue acusada falsamente de envenenar a dos compañeras de habitación blancas, motivo por el que una muchedumbre blanca la capturó y golpeó. Las muchachas se recuperaron y los cargos contra ella fueron finalmente archivados, pero este suceso, con un juicio muy sonado de por medio, le impidió matricularse en el último curso y la dejó sin su título.

Tras su paso por Oberlin, se trasladó a Boston en 1864, donde intentó hacer carrera como escultora. Tras recibir numerosas negativas, conoció a Edward A. Brackett, un escultor entre cuyos clientes se encontraban algunos de los abolicionistas más conocidos de la época. Lewis trabajó con Brackett hasta 1864, cuando montó su primera exposición individual.​ Su obra rendía homenaje a los abolicionistas y héroes de la Guerra Civil de su época, entre ellos John Brown y el coronel Robert Gould Shaw.

Logró muy buen recibimiento y el éxito la condujo hasta Roma. En Italia, Edmonia Lewis se unió a un círculo de artistas expatriados y abrió su propio estudio. Durante este tiempo, comenzó a esculpir en mármol, centrándose en el naturalismo y temas relacionados con los afroamericanos y nativos americanos. De haberse quedado en Estados Unidos, habría tenido que seguir confiando en sus patrocinadores abolicionistas, pero en Roma disfrutaba de mayor libertad creativa y actitudes menos racistas.

Otro punto cúspide de su carrera fue su participación en 1876 en la “Exposición del Centenario de Filadelfia”; para la cual creó una pieza monumental de aproximadamente 1400 kg, titulada “La muerte de Cleopatra”, basada en la obra de Shakespeare Antonio y Cleopatra. Después fue exhibida en la Exposición interestatal de Chicago de 1878 y finalmente comprada por un apostador llamado “Blind John” Condon para marcar la tumba de su yegua Cleopatra, cerca del estadio de carreras de Forest Park a las afueras de Chicago. Allí permaneció casi cien años, hasta que el Servicio Postal de Estados Unidos compró el terreno y la almacenó en Cicero. Un miembro de la Sociedad Histórica de Forest Park la adquirió y la Sociedad la donó al Instituto Smithsoniano en 1994, donde fue restaurada y es exhibida.

Su fama decayó desde los años 1880, aunque continuó creando en mármol, sobre todo retablos para mecenas católicos. 

“No hay nada tan hermoso como el bosque libre: coger un pez cuando tienes hambre, cortar las ramas de un árbol, hacer un fuego para asarlo, y comerlo al aire libre, es el mayor de todos los lujos. No me quedaría una semana encerrada en las ciudades, si no fuera por mi pasión por el arte”, escribió Lewis en una cita datada en 1864, de la que se hace eco el museo de arte americano Smithsoniano.

Maria Zambaco

Maria Zambaco, nacida Marie Terpsithea Cassavetti, fue una artista británica de origen griego y una modelo favorita de los prerrafaelitas.

Maria se dedicó al arte, y estudió en la Slade School con Alphonse Legros y con Auguste Rodin en París. Trabajó como escultora en la década de 1880 y el Museo Británico guarda cuatro de sus medallas con cabezas de chicas jóvenes grabadas al estilo renacentista. 

Exhibió en la Real Academia en 1887 y en la Sociedad de Artes y Oficios de Londres en 1889. Exhibió también en el Salón de París.

Familiar dentro de los círculos prerrafaelitas por su cabello rojo oscuro y piel pálida, fue la principal modelo para el artista Edward Burne-Jones. También se sentó como modelo para James McNeill Whistler y Dante Gabriel Rossetti.

Prerrafaelitas: Emma Sandys

Mary Ann Emma Sands fue una pintora prerrafaelita inglesa del siglo XIX. 

Emma Sandys nació en Norwich, donde su padre, Anthony Sands, le dio algunas lecciones tempranas. En 1853, la familia agregó una ‘y’ a su apellido. Fue influenciada por su hermano Frederick Sandys, uno de los Hermanos Prerrafaelitas , y su amigo Dante Gabriel Rossetti. Su pintura fechada más temprano está marcada en 1863 y exhibió sus obras tanto en Londres como en Norwich entre 1867 y 1874. Sus obras fueron principalmente retratos en óleo y tiza de niños y de mujeres jóvenes, a menudo en ropa de época o medieval, contra fondos de flores de colores brillantes. Emma Sandys hizo la mayor parte de su trabajo en Norwich, pero puede haber pasado tiempo en el estudio de su hermano, Frederick Sandys, en Londres.

Kitty Lange Kielland

Christine Kitty Lange Kielland fue una paisajista noruega.

Kielland nació en una familia acomodada en Stavanger, era la hermana mayor de Alexander Kielland. Las interacciones de Kielland con su hermano fueron importantes en su desarrollo como artista. Aunque recibió algo de capacitación en dibujo y pintura, no fue hasta que cumplió treinta años que se le permitió capacitarse como artista profesional. En 1873 viajó a Karlsruhe donde fue entrenada por Hans Gude. Como mujer, Kielland se vio obligado a tomar lecciones privadas de Gude en lugar de unirse a su clase de pintura de paisajes. La adhesión de Gude al realismo dejó una impresión duradera en Kielland que fue visible en sus obras posteriores. Kielland hizo un rápido progreso durante los dos años que pasó entrenando con Gude. 

Kielland dejó Karlsruhe para ir a Munich en 1875, donde se unió a una colonia de artistas noruegos que vivían allí. En Munich estudió con el realista de inspiración francesa Hermann Baisch, y con el noruego Eilif Peterssen, a quien algunos consideran su maestro más importante. Kielland vivió en Munich hasta 1878. Luego se mudó a París, donde continuó pintando todos los días. 

En 1876 Kielland visitó Jæren en el sur de Noruega. El antiguo maestro de Kielland, Hans Gude, visitó a Jæren en 1869 y 1872 y, a su regreso, le sugirió que debía viajar allí y pintarlo. Kielland preparó estudios mientras estaba en Jæren y luego los usó para pintar el paisaje característicamente plano cuando regresó a Munich, convirtiéndola en la primera artista en hacerlo. Su pintura de Jæren muestra una representación realista del paisaje, pero con efectos atmosféricos unificadores. Kielland regresó a Jæren regularmente durante los veranos, por lo que el paisaje monótono y las turberas de la zona se convirtieron en uno de sus motivos favoritos. Kielland dijo que estaba muy interesada en el área alrededor de Jæren debido a “la grandeza del paisaje y la riqueza de la pobreza”. La habilidad con la que se ejecutó el paisaje la marca como una de las estudiantes más destacadas de Gude. 

En 1879 Kielland se mudó a París, donde compartió un estudio con su compañera noruega Harriet Backer desde 1880-88 . En París exhibió sus pinturas por primera vez. Kielland fue brevemente alumno del pintor paisajista Léon Germain Pelouse que vivía en la cercana Cernay-la-Ville. Kielland dejó París en 1889, un retrato de ella pintado por Anna Ancher poco antes de su partida se puede encontrar en Anchers Hus. 

Kielland trabajó en la simplificación de su arte en la década de 1890 bajo la influencia de Jens Ferdinand Willumsen. Participó con entusiasmo en debates públicos sobre los derechos de las mujeres. Kielland exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.