Kate Greenaway

Catherine «Kate» Greenaway fue una escritora e ilustradora de libros infantiles inglesa, conocida por sus ilustraciones de libros infantiles. 

Más de un siglo después de su muerte, su obra sigue siendo buscada, y la Medalla Kate Greenaway, un premio anual otorgado desde 1955 a la excelencia en el campo de la ilustración infantil, se brinda en su honor.

Su padre, John Greenaway, era dibujante y grabador y su madre, Catherine Elizabeth Jones, era costurera. Su padre grabó ilustraciones para publicaciones semanales, entre ellas The Illustrated London News, a menudo trayendo a casa los bloques de madera para tallar durante la noche. El trabajo interesó a su pequeña hija, y Kate estuvo expuesta a ilustraciones de John Leech, John Gilbert y Kenny Meadows. 

A los 12 años, comenzó las clases nocturnas en la cercana escuela de Finsbury, una sucursal local de la Escuela de Arte de South Kensington que participaba en el Curso Nacional de Capacitación Artística en artes decorativas. Se ofrecieron cursos nocturnos, abiertos solo para mujeres, en dibujo, pintura de porcelana, grabado en madera y litografía. Se matriculó a tiempo completo un año después. El plan de estudios, diseñado por Henry Cole, estaba destinado a capacitar a los artesanos en el diseño de papel tapiz decorativo, azulejos y alfombras. Hubo cuatro etapas de cursos, que completó en 1864 antes de ir a la Royal Female School of Art.

El director de la Royal Female School of Art era Richard Burchett, a quien Elizabeth Thompson describió como un “hombre barbudo, con una calavera de terciopelo y ojos fríos”. Greenaway era bastante tímida y se consideraba simple y poco atractiva en comparación con los otros estudiantes. Sin embargo, se hizo amiga de Thompson, mucho más popular, con quien compartió un estudio. Las dos jóvenes trabajaron diligentemente en su estudio para perfeccionar sus habilidades. En este punto, se le permitió dibujar figuras humanas, primero de moldes de yeso y luego de modelos vestidas con trajes históricos u ornamentales, habilidades que aplicó durante los veranos en Rolleston. Sin embargo, ella no pudo dominar completamente la anatomía humana; frustrada porque las modelos desnudas no estaban permitidas en las clases de mujeres, se inscribió en clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes de Heatherley, donde conoció a Edward Burne-Jones, Edward Poynter y Walter Crane. 

Entonces acudió a la Central School en Kensington (Gran Londres), pero por aquella época a las mujeres no se les permitía realizar dibujos de desnudos, por lo que acabó yendo a la Slade School of Art, donde sí ofrecían una misma educación a ambos sexos. Además, por las tardes acudió a la Heatherley’s School of Art.

Mientras todavía estaba en la escuela, Greenaway recibió comisiones por ilustraciones de libros infantiles. El primero llegó en 1867 para un frontispicio para diversiones infantiles, estableciendo un camino hacia la especialización en libros infantiles.

Comenzó a exhibir dibujos en 1868, y sus primeras ilustraciones publicadas aparecieron en revistas como Little Folks. 

El nuevo, popular y lucrativo mercado de tarjetas coincidió con el final de la capacitación formal de Greenaway. Las tarjetas de felicitación aparecieron por primera vez en la década de 1840, y en la década de 1860 el mercado explotó. El fabricante de tarjetas Marcus Ward & Co contrató a Greenaway en 1871 de manera independiente. Con su reputación de trabajo de calidad, la firma Belfast fue una de las principales impresoras de tarjetas de la era Victoriana. Sus diseños se vendieron bien y dijeron de su trabajo que “su talento especial estaba en la dirección de las figuras de vestuario y los colores delicados”. Las primeras tarjetas de San Valentín vendieron 25.000 copias en semanas.

Kate también se inscribió en la Slade School of Art cuando se abrió en 1871 porque anunciaban la igualdad de oportunidades educativas para hombres y mujeres. En este punto, Kate asistía tanto a las conferencias diurnas en la Escuela Nacional de Capacitación Artística en South Kensington, como a las clases de dibujo de la vida nocturna en la Escuela de Arte de Heatherley y la Escuela de Arte Slade.

Su primer libro, Bajo la ventana (1879), una colección de sencillos e idílicos versos sobre niños editado por Edmund Evans utilizando un proceso ideado por él mismo para realizar xilografías en color,​ se convirtió en un éxito de ventas en su época, vendiendo rápidamente las 2000 copias iniciales y obligando a la editorial Routledge a realizar una nueva reimpresión.

Las pinturas de Greenaway fueron reproducidas por cromografía, mediante la cual los colores fueron impresos a partir de bloques de madera grabados a mano por la firma de Edmund Evans. Durante las décadas de 1880 y 1890, sus únicos rivales en popularidad en la ilustración de libros infantiles fueron Walter Crane y Randolph Caldecott.

En 1890, Greenaway fue elegida para el Instituto Real de Pintores en Acuarelas, y en 1891, 1894 y 1898 expuso dibujos de acuarela, incluidas ilustraciones para sus libros, en la galería de la Sociedad de Bellas Artes (por la cual se exhibió una selección representativa en 1902). Kate Greenaway fue una ilustradora y escritora de fines del siglo XIX. Junto a Randolph Caldecott y Walter Crane, ella fue una de los tres más respetados, influyentes y populares ilustradores para niños de la época. 

Sus historias eran por lo general idílicas y agradables, con un enfoque en la naturaleza; niños felices eran representados con flores, pájaros, animales y otros elementos naturales. Sus admiradores opinan que el hecho de haber sido educada en el hogar y en un lugar solitario, pasando mucho tiempo sola en el campo, pudo haberle ayudado a comprender e imaginar lo que los niños necesitaban y amaban. 

Neoimpresionismo: Anna Boch

Participa del movimiento puntillista, neoimpresionista. Alumna de Isidore Verheyden, fue influenciada por Théo van Rysselberghe, que encontró en el grupo de Les XX (Los Veinte).

Sin contar sus propias obras Anna Boch tenía una de las colecciones de pinturas impresionistas más importantes de su época. Ella promovió a jóvenes artistas como Vincent van Gogh, a quien ella admiraba por su talento. Vincent era amigo de su hermano Eugène Boch, ella le compró el cuadro La Vigne rouge (La viña roja) por la suma de 400 francos; pero también van Gogh vendió otras 2 más en toda su vida, Puente de Clichy, y finalmente un Autorretrato.

La colección de Anna Boch fue vendida después de su muerte, y según su deseo, los recursos se emplearon para apoyar el retiro de sus pobres amigos artistas.

Lilla Cabot Perry

Lilla Cabot Perry fue una artista estadounidense que trabajó dentro del Impresionismo, con retratos y paisajes en la manera libre de su mentor, Claude Monet. Perry comenzó su carrera como una artista sin formación – no empezó su educación formal hasta los 36 años. Aunque provenía de una familia con dinero, Perry se basó en sus pinturas a lo largo de toda su vida para proporcionar a su familia el sustento con el que sobrevivir.

Su vida le proporcionó innumerables experiencias que formaron grandemente su estilo y la temática de su obra. Desde sus primeras influencias por parte de la filosofía de Ralph Waldo Emerson y su amistad con Camille Pissarro a su formación posterior con artistas del Impresionismo, realismo, simbolismo y el movimiento realista social alemán – las influencias de Perry tenían muchas facetas. El resultado de esta mezcla de movimientos artísticos y estilos es una obra que está marcada por una elegante presentación del color, la luz y la vida.

Nació en Boston, hija del distinguido cirujano Dr. Samuel Cabot. Tuvo una educación liberal que abarcó literatura, poesía y música. Hay algunas referencias a que Perry tenía sesiones informales de esbozos con sus amigos; sin embargo, no tuvo un aprendizaje formal hasta 1884. Debido a la prominencia de su familia, tuvo relaciones desde la infancia con destacadas figuras como Ralph Waldo Emerson, Louisa May Alcott, y James Russell Lowell. Después de la guerra civil, la familia se trasladó a una granja en Canton, Massachusetts.

En 1884 Perry comenzó su formación artística con el retratista Alfred Quentin Collins, que había estudiado en la Académie Julian de París con Léon Bonnat. Sin embargo, hasta 1885 no encontró un artista que verdaderamente inspirara su estilo personal. Ese año trabajó con Robert Vonnoh, un artista que trabajaba en el estilo impresionista al aire libre en Grez-Sur-Loing en Francia. La obra de Vonnoh representaba una marcada diferencia con el estilo formal que Perry había conocido hasta entonces, y es esta experiencia la que plantó las semillas para la dedicación de Perry al Impresionismo durante el resto de su vida.

En 1885 acudió a clases con Dennis Bunker en la prestigiosa Escuela de Arte Cowles de Boston, donde aprendió «teorías liberales» en la creación de un arte realista, teorías que Perry aceptó grandemente, era una pintora especial

Perry marchó a París donde recibió formación en la Academia Colarossi y pasó mucho tiempo estudiando a los antiguos maestros del Louvre, además de viajar a España para copiar obras en el Museo del Prado y a Múnich (1888), donde estudió con el realista social alemán Fritz von Uhde.

El día que conoció la obra de Claude Monet lo que supuso una revelación en su carrera como artista. Ese día decidió trasladarse a Giverny, donde vivía Monet, para captar mejor el estilo impresionista. Entre 1889 y 1909, Perry pasó nueve veranos en Giverny. Allí fue donde se encontró plenamente como artista. Durante su tiempo en Giverny formó una amistad íntima con Claude Monet cuyo manejo impresionista del color y la luz inspiraron grandemente su obra.

Para el otoño de 1889 Perry se había marchado de Giverny para recorrer Bélgica y Holanda y para noviembre había regresado a Boston con su familia. La carrera artística de Perry adquirió un nuevo significado cuando regresó a Boston. No estaba contenta con simplemente pintar en el nuevo estilo que había adquirido en el extranjero. Quería «fomentar una nueva verdad en pintura»..” Para lograr su objetivo de esta nueva verdad, entre otras actividades, dio una conferencia sobre Claude Monet el 24 de enero de 1894 en la Asociación de Estudiantes de Arte de Boston. En 1893 Perry fue elegida para representar a Massachusetts en la Exposición Universal de Chicago, Illinois; allí expuso siete cuadros.

Una nueva influencia recibió Perry cuando su marido obtuvo un puesto docente en Japón. Allí vivió durante tres años. Allí expuso sus obras. El contacto con el mundo oriental tuvo un gran impacto en su obra e hizo posible que desarrollara un estilo único que aunaba las tradiciones estéticas del mundo occidental y el oriental.

A lo largo de su carrera como artista, Perry se vio hondamente involucrada en las comunidades artísticas de todas las ciudades en las que vivió y promovió activamente el estilo impresionista. Las pasiones de Perry no desaparecieron con el tiempo. No le gustaban las tendencias de vanguardia de principios de siglo. En 1922 tuvo su primera exposición individual, en la Galería Braus de la Avenida Madison (Nueva York).

Eva Gonzalès

Eva Gonzalès fue una pintora impresionista francesa de origen español y monegasco.

Hija del escritor español naturalizado francés, Enmanuel Gonzalès, comienza a estudiar pintura a los 16 años. Discípula de Charles Joshua Chaplin, más tarde lo será de Édouard Manet, en cuyo taller será modelo y alumna. La influencia de Manet en su pintura es visible hasta 1872, después su estilo se vuelve más personal, especializándose en obras al pastel y tonalidades claras.

Manierismo: Orsola Maddalena Caccia

No son pocos los ejemplos de monjas que desarrollaron su obra pictórica en los conventos. Entre ellas se encuentra Orsola Maddalena Caccia, nacida en Moncalvo, Italia, en el año 1596 con el nombre de Theodora, hija del pintor Guglielmo Caccia, conocido también como Il Moncalvo. Al ingresar en el convento de las Orsolinas de Bianzé, un municipio del norte de Piamonte, Italia, cambió su nombre por Orsola Maddalena. En 1625 se trasladó a un convento dedicado a Santa Orsola que su padre fundó en Moncalvo, donde se convirtió en abadesa. Tenía dos hermanos y cinco hermanas, cuatro de las cuales también tomaron los votos religiosos.

Orsola aprendió a pintar con su padre, a quien al principio ayudaba a colorear y realizar las figuras secundarias de sus obras. Ella y su hermana Francesca se dedicaron a la pintura, organizando el estudio del convento donde se enseñaba a las novicias y se tomaban encargos externos. Dos alumnas de Orsola ingresaron al convento sin aportar las dotes requeridas por el hecho de tener habilidades artísticas prometedoras que significaban beneficios económicos para la orden. Francesca murió joven, a los 26 años, y Orsola tuvo más tiempo de perfeccionar su arte durante su vida, que duró ochenta años.

Orsola se dedicó especialmente a la pintura de naturalezas muertas, además de realizar imágenes devotas y retablos. Su estilo en los bodegones es similar al de la pintura arcaica flamenca o nórdica, especialmente de Ludger Tom Ring el Viejo y Georg Hoefnagel, presentando una estructura compositiva simple y equilibrada, con cada elemento situado cuidadosamente, con énfasis en la verticalidad, especialmente en las obras con motivos florales. Suele incluir en sus bodegones trozos de frutas y un animal, generalmente un pájaro o un insecto.

También en las imágenes religiosas incluye naturalezas muertas. Se dedicaba además a la elaboración de otros objetos de devoción y obras de pequeño formato de un estilo de gran delicadeza heredado de su padre. Estas obras se encuentran en colecciones particulares, en palacios, museos e iglesias de Piamonte y se reconocen por la firma que distingue a la pintora, constituida por una flor o un ramo. Entre sus encargos más importantes figuran el retablo que representa el Matrimonio místico de la beata Osanna Andreasi (1648), en la iglesia de Carbonarola, Mantua, y el retablo de San Juan el Bautista (1644), en la iglesia de San Martin y Stefano, Montemagno.

Ellen Gertrude Cohen

Ellen Gertrude Cohen, fue una pintora e ilustradora británica.

Estudió en Slade y The Royal Academy School en Londres antes de mudarse a París y estudiar con Benjamin Constant y Jules Laurens. 

Expuso su trabajo en la Royal Academy, el Royal Institute of Painters in Water and Oil Colors y el Salón de París.

En París, expuso en el Salón (Campos Elíseos) desde 1894. 

También es una colaboradora constante en las exposiciones realizadas por el Royal Institute of Painters in Water and Oil Colors.

Cohen exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Cohn creó ilustraciones para una variedad de publicaciones británicas, incluida la revista The Strand. 

Sus experiencias parisinas, escritas y esbozadas por ella, aparecieron en “The Strand Magazine” y “The Studio”.

Elizabeth Southerden Thompson, Lady Butler

Elizabeth Southerden Thompson, conocida también como Lady Butler, nombre que tomó al casarse con el mayor William Butler, fue una pintora y escritora inglesa.

Elizabeth Thompson, nacida en una acomodada familia, pasó parte de su infancia y de su juventud en Francia e Italia, donde estudió arte.

Se afincó en Inglaterra y comenzó a dedicarse plenamente a la pintura especilizándose en cuadros de batallas, temática en la que llegó a ser admirada por artistas e intelectuales de la época, entre los cuales John Ruskin consideraba sus pinturas como unas de las mejores obras prerafaelitas.

Contrajo matrimonio con el mayor William Butler lo que fue un revulsivo a su carrera de pintora, ya que viajó con su marido a las en campañas militares y eso le ayudó a plasmar lo que veía, tanto en Egipto como en Sudáfrica.

Elizabeth Thompson fue una de las pocas mujeres que se dedicaron a la pintura de forma profesional en el siglo XIX, y además fue capaz de ganarse bien la vida pintando obras de gran formato de tema bélico.

Sus primeros cuadros, Pasando lista tras el combate, que representa a la revista de los soldados tras un enfrentamiento en la guerra de Crimea y El 28º Regimiento de Quatre Bras, fueron un gran éxito, pero cuando la artista plasmó en ellos el sufrimiento de los soldados, o las derrotas que en ocasiones los ejércitos sufrían, dejaron de tener éxito en la sociedad victoriana.

Su último cuadro lo pintó con 80 años y está basado en la Primera Guerra Mundial.​ Thompson tiene también una vertiente artística literaria, especializándose sobre todo en temática relacionada con los viajes que realizaba con su marido, por motivos del trabajo de éste.

Adela Ginés y Ortiz

Adela Ginés y Ortiz fue una pintora y escultora española. 

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y fue discípula de Carlos de Haes y Sebastián Gessa. Fue profesora en la Asociación para la Enseñanza de la Mujer y practicó el paisaje y la pintura de bodegones, especialmente los floreros. Se presentó con asiduidad a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, consiguió mención honorífica en 1887 y 1895, en la especialidad de pintura, en 1892 en escultura y tercera medalla en 1895 y 1899, también en escultura. Obtuvo tercera medalla en 1897 en la especialidad de pintura, con el óleo El presidio (naturaleza muerta con gallo, gallinas y uvas), y en 1901 con el cuadro Casa de vecindad, galardón que repitió en 1912. En 1899 obtuvo una mención honorífica en la Exposición Universal de París.

Louisa Starr

Louisa Starr, más tarde Louisa Canziani fue una pintora británica.

Starr nació en Londres y vivió en Russell Square cuando se convirtió en copista en el Museo Británico. Estudiando en la Royal Academy, mostró su primer trabajo allí en 1866 y en 1876 había mostrado 17 pinturas. Ella ganó una medalla de oro en la Royal Academy por la pintura de historia en 1867. Fue la primera mujer en hacerlo y fue seguida por la medalla de oro de Jessie Macgregor en 1871, pero la siguiente en hacerlo fue no hasta 1909.

Se casó con Enrico Canziani y posteriormente firmó sus obras con su nombre de casada. Su hija Estella Canziani también se convirtió en artista.

Ella exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Su pintura Sintram y su madre se incluyeron en el libro de 1905 Mujeres Pintoras del Mundo.

Harriet Backer

Harriet Backer fue una de las pintoras más reconocidas de Noruega. Alcalzó renombre por sus pinturas de interiores y paisajes de colores vivos y animada claridad. Alcanzó renombre por sus pinturas de interiores y fue una defensora y pionera de las mujeres artistas de su generación.

Ingresó a la Escuela de Pintura Johan Fredrik Eckersberg, donde estudiaría con Knud Bergslien como maestro. Realizó varios viajes por Europa en compañía de su hermana la pianista Agathe Backer-Grøndahl. Vivió en París durante 10 años junto a su amiga Kitty Kielland; en esa ciudad recibió la influencia del impresionismo, si bien su obra ha sido catalogada generalmente como realista. De regreso a Noruega se integró al Círculo de Lysaker, un grupo artístico-político de corte nacionalista que fomentaba la cultura tradicional y la independencia de Noruega.

Ganó una medalla de plata en la Exposición Universal de 1889, en 1908 recibió la Medalla al Mérito del Rey.

Sus obras se hallan en varios de los museos noruegos más importantes, como la Nasjonalgalleriet de Oslo y el Museo de Arte de Bergen. Otras más son propiedad del municipio de Bærum.

Harriet Backer llegó a París en 1878, siendo en ello uno de los primeros artistas noruegos de su generación y permaneció allí hasta 1888. Se había formado en las escuelas de arte de Christiania, había hecho largos viajes al extranjero y había estudiado de 1874 a 1878 en Múnich, donde uno de sus maestros fue el pintor noruego Eilif Petersen.

Basándose, en lo que siempre fue una composición pictórica concisa, la artista concibió gradualmente un uso libre y personal del color. Se estrenó en el Salón de París en 1880, y en la Exposición Universal de 1889 fue premiada con una medalla de plata por su interior En mi casa (1887, Nasjonalgalleriet, Oslo). Junto con Interior azul y Retrato de la pintora Kitty L. Kielland (ambos de 1883, Nasjonalgalleriet, Oslo), representa un paso en su proceso colorístico de liberación. Después de volver a Noruega en 1888, pintó una serie de interiores noruegos. 

La antigua iglesia de Tanum, en Baerum, le proporcionó motivos para sus primeros cuadros eclesiásticos, un género en el que había de hacer su mayor aportación, con obras importantes como Bautizo en la iglesia de Tanum (1892) y La sagrada comunión celebrada en la iglesia de Stange (1903, Nasjonalgalleriet, Oslo). Los paisajes de verano y bodegones de los últimos años de Harriet Backer marcaron una transición natural de la pintura de la década de 1880, con su acento en los valores y la textura, al colorismo libre de nuestro siglo.

Barroco: Clara Peeters

Clara Peeters fue una pintora flamenca considerada una de las iniciadoras del bodegón o naturaleza muerto en los Países Bajos.

Se caracterizó por popularizar el uso del autoretrato escondido en objetos de las naturalezas muertas que muchos otros artistas emularían.

Artista precoz, su primera obra conocida se data en 1607 cuando tenía catorce años de edad. Se desconoce todo el relativo a su formación, aunque su estilo muestra concomitancias con la obra de Osias Beert. Se supusieron estancias en Ámsterdam y La Haya que no pudieron ser documentadas, pero su estilo maduro muestra, en efecto, influencias de los bodegonistas holandeses. Con todo y la falta de documentación más precisa, el período de actividad probable, en el que quedan comprendidas sus obras firmadas, iría de 1607 a 1621.

Estaba especializada en el género del bodegón, en particular como autora de escenas de desayuno y florales en las que objetos preciosos de metal o cerámica se acumulan aparentemente desordenados junto a flores, frutos y piezas de pesca o caza creando un conjunto multicolor.

Minuciosa en el detalle, Peeters incluyó pequeños autorretratos en miniatura en los reflejos de las copas de algunos de sus bodegones. También era muy hábil a la hora de distinguir texturas. Algunos autores apuntan en sus pinturas simbolismos religiosos, singularmente en el Bodegón con un pescado y un gato, en el que el pescado, símbolo de Cristo, estaría colocado en la posición de una cruz.

El Museo Nacional del Prado cuenta con cuatro de sus bodegones, procedentes de la colección real y tres de ellos firmados en 1611.

En 2016 Clara Peeters se convirtió en la primera mujer pintora protagonista de una exposición en el Museo del Prado realizada con la colaboración del Museo Real de Bellas Artes de Amberes. Junto a su exposición se puso el foco en la situación de las mujeres artistas a principios de la Europa Moderna.

Pilar Escudero Ferro

Pilar Escudero Ferro nacida en una familia de artistas y de escultores. 

Retratista de varias generaciones de coruñeses y miembro de una familia de artistas Casada con el médico Alfonso Abelenda, tuvo dos hijos, el pintor Alfonso Abelenda, un gran artista con obra en los principales museos españoles y extranjeros, y Pedro, músico y showman. 

Pilar pertenecía a una familia de artistas, los  Escudero, oriundos de Pontevedra estaban ligados al negocio de la construcción. Miembro de una familia de artistas, escultores en su mayoría, su abuelo Saturnino Escudero Monteagudo y su bisabuelo, también Saturnino, hicieron realidad el Obelisco de Vittini, en el Cantón, el  Kiosco Alfonso o buena parte de los mausoleos del cementerio de Santo Amaro de A Coruña; su primo el escultor Escudero Couceiro fue miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes; su hermano Saturnino también se dedicó al arte. 

El taller de los Escudero (el mármol y la piedra eran su materia prima) se encontraba en la antigua calle del Socorro (hoy Juan Canalejo), que hace semiesquina a Sol en la zona del Orzán. 

Su padre, Saturnino  Escudero Monteagudo, y su tío José fueron enviados por el abuelo de Pilar a  Carrara, Italia, para formarse en la escultura y arquitectura. La estancia en Carrara y en Roma de los dos jóvenes Escudero fue al parecer fundamental para dar una dimensión más internacional a los talleres, que eran también lugar de tertulia. 

Los Escudero solían abrir sus talleres a otros artistas y así el escultor Villasenín hizo allí un busto del doctor Abelenda, una talla en madera.  Por su taller pasaría la intelectualidad republicana de la ciudad y figuras locales. En ese ambiente abierto y culto, en el que se mezclaban los saberes, la creación artística y las ideas republicanas convivían con las monárquicas, crecieron los Escudero Ferro. 

Por ellos pasaron desde el pintor Sotomayor al político Casares Quiroga, el violinista Manuel Quiroga, el diplomático y alcalde de A Coruña Gerardo Abad Conde, el pianista Vázquez Sebastiá, el escultor Antonio López o el pintor Manuel Abelenda.

También tuvo ocasión de pintar allí el gran Concheiro, que acabaría loco debido a una enfermedad genética.

Otra de las presencias asiduas era la del padre de Pablo Picasso, íntimo amigo de su abuelo, Saturnino Escudero, y el doctor Ramón Pérez Costales, además del gran pintor militar Román Navarro, profesor en la Escuela de Artes y Oficios.

En esos mismos talleres conoció Pilar al que iba a ser su marido, el doctor Alfonso Abelenda, que había ido a posar para el busto que le estaba haciendo Villasenín. Médico de la Marina Mercante y también aficionado al dibujo, pasaba la mayor parte del tiempo embarcado, lo que le permitía a Pilar y a sus dos hijos llevar una vida de horarios relajados y gustos bohemios.

Viajar era una de las grandes aficiones de Pilar Escudero, que con frecuencia acompañaba a su marido a visitar distintos países de Europa.

Vivió rodeada de artistas, así que no le resultó difícil ser uno de ellos, aunque su trabajo no haya trascendido como hubiera merecido. 

En ese caldo de cultivo, pocos maestros necesitaba Pilar Escudero, que se consideraba autodidacta, ya que tan sólo tomó algunas clases de pintura de Manuel Abelenda, amigo de la familia pero con el que no estaba emparentada. De esa época, aún guardaba Pilar en su casa de la plaza de Pontevedra sus pinitos al óleo, que reflejaban su mano para los pinceles. Pero ella prefirió el lápiz.

Se especializó en el retrato a lápiz. Habría podido ser una gran artista, pero sacrificó la carrera por el cuidado de la familia. Pese a ello, deja una buena colección de dibujos, porque en varias décadas no hubo en A Coruña familia que se preciase que no tuviese algún miembro retratado por Pilar Escudero.

Marie Spartali Stillman

La pintora prerrafaelita, Marie Stillman.

El movimiento artístico conocido como prerrafaelita, que quiso recuperar la esencia del arte gótico, estuvo protagonizado e impulsado en su gran mayoría por pintores. Las mujeres fueron sus musas e inspiradoras de los grandes lienzos que legaron a la historia del arte. Pero algunas de aquellas hermosas modelos fueron también grandes pintoras. Una de ellas fue Marie Stillman, una mujer de belleza perfecta que se convirtió en una gran artista prerrafaelita.

Marie Euphrosyne Spartali nació  en una familia de origen griego muy acomodada. En su hogar, su padre organizaba veladas culturales con nombres destacados de las letras y el arte. 

Marie Stillman empezó a estudiar el arte de la pintura con Ford Madox Brown. Su obra pronto se vio atraída por la influencia de los pintores prerrafaelitas, para los que había posado en alguna ocasión. Así, sus lienzos se llenaron de hermosas figuras femeninas, preciosos paisajes y referencias a los grandes del pasado como Dante o Boccaccio. Una carrera artística que duró sesenta años y produjo más de cien cuadros que fueron expuestos en distintas galerías de arte de Inglaterra y Estados Unidos.

Mary Edmonia Lewis

Mary Edmonia Lewis fue una escultora estadounidense que desarrolló la mayor parte de su carrera en Roma, Italia siendo la primera mujer afroamericana y de raíces nativas en alcanzar la fama y reconocimiento internacional en el mundo de las artes escultóricas.

Su trabajo incorpora temas relacionados con las personas negras e indígenas de América en esculturas de estilo neoclásico. Hizo su aparición durante la Guerra de Secesión, y para fines del siglo XIX era la única mujer no caucásica que había participado y obtenido reconocimiento de alguna forma en la corriente artística estadounidense. En 2002, el profesor Molefi Kete Asante colocó a Edmonia Lewis en la lista de los 100 afroamericanos más importantes.

De padre sirviente liberto de ascendencia afro-haitiana​ y madre tejedora y cestera de los Mississauga Ojibwe (uno de los pueblos nativos más grandes de América del Norte, hoy presentes en Canadá) la futura artista se quedó huérfana de ambos en su primera infancia y pasó a vivir con sus tías maternas, subsistían fabricando y vendiendo cestos y mocasines a los turistas que visitaban las cataratas del Niágara. Su hermano mayor se hizo barbero y después se convirtió en un minero del oro en California, donde prosperó. Gracias a ello, pudo costearle los estudios a su hermana, ingresando en 1856 aunque era católica, en una escuela bautista abolicionista.

A los 15 años, Lewis se matriculó en el Oberlin College, donde se convirtió en una apasionada del arte. Sin embargo, durante su estancia en este centro, el primero en Estados Unidos en admitir alumnos afroamericanos, sufrió numerosos episodios en los que fue discriminada. Fue acusada falsamente de envenenar a dos compañeras de habitación blancas, motivo por el que una muchedumbre blanca la capturó y golpeó. Las muchachas se recuperaron y los cargos contra ella fueron finalmente archivados, pero este suceso, con un juicio muy sonado de por medio, le impidió matricularse en el último curso y la dejó sin su título.

Tras su paso por Oberlin, se trasladó a Boston en 1864, donde intentó hacer carrera como escultora. Tras recibir numerosas negativas, conoció a Edward A. Brackett, un escultor entre cuyos clientes se encontraban algunos de los abolicionistas más conocidos de la época. Lewis trabajó con Brackett hasta 1864, cuando montó su primera exposición individual.​ Su obra rendía homenaje a los abolicionistas y héroes de la Guerra Civil de su época, entre ellos John Brown y el coronel Robert Gould Shaw.

Logró muy buen recibimiento y el éxito la condujo hasta Roma. En Italia, Edmonia Lewis se unió a un círculo de artistas expatriados y abrió su propio estudio. Durante este tiempo, comenzó a esculpir en mármol, centrándose en el naturalismo y temas relacionados con los afroamericanos y nativos americanos. De haberse quedado en Estados Unidos, habría tenido que seguir confiando en sus patrocinadores abolicionistas, pero en Roma disfrutaba de mayor libertad creativa y actitudes menos racistas.

Otro punto cúspide de su carrera fue su participación en 1876 en la “Exposición del Centenario de Filadelfia”; para la cual creó una pieza monumental de aproximadamente 1400 kg, titulada “La muerte de Cleopatra”, basada en la obra de Shakespeare Antonio y Cleopatra. Después fue exhibida en la Exposición interestatal de Chicago de 1878 y finalmente comprada por un apostador llamado “Blind John” Condon para marcar la tumba de su yegua Cleopatra, cerca del estadio de carreras de Forest Park a las afueras de Chicago. Allí permaneció casi cien años, hasta que el Servicio Postal de Estados Unidos compró el terreno y la almacenó en Cicero. Un miembro de la Sociedad Histórica de Forest Park la adquirió y la Sociedad la donó al Instituto Smithsoniano en 1994, donde fue restaurada y es exhibida.

Su fama decayó desde los años 1880, aunque continuó creando en mármol, sobre todo retablos para mecenas católicos. 

“No hay nada tan hermoso como el bosque libre: coger un pez cuando tienes hambre, cortar las ramas de un árbol, hacer un fuego para asarlo, y comerlo al aire libre, es el mayor de todos los lujos. No me quedaría una semana encerrada en las ciudades, si no fuera por mi pasión por el arte”, escribió Lewis en una cita datada en 1864, de la que se hace eco el museo de arte americano Smithsoniano.

Maria Zambaco

Maria Zambaco, nacida Marie Terpsithea Cassavetti, fue una artista británica de origen griego y una modelo favorita de los prerrafaelitas.

Maria se dedicó al arte, y estudió en la Slade School con Alphonse Legros y con Auguste Rodin en París. Trabajó como escultora en la década de 1880 y el Museo Británico guarda cuatro de sus medallas con cabezas de chicas jóvenes grabadas al estilo renacentista. 

Exhibió en la Real Academia en 1887 y en la Sociedad de Artes y Oficios de Londres en 1889. Exhibió también en el Salón de París.

Familiar dentro de los círculos prerrafaelitas por su cabello rojo oscuro y piel pálida, fue la principal modelo para el artista Edward Burne-Jones. También se sentó como modelo para James McNeill Whistler y Dante Gabriel Rossetti.

Kitty Lange Kielland

Christine Kitty Lange Kielland fue una paisajista noruega.

Kielland nació en una familia acomodada en Stavanger, era la hermana mayor de Alexander Kielland. Las interacciones de Kielland con su hermano fueron importantes en su desarrollo como artista. Aunque recibió algo de capacitación en dibujo y pintura, no fue hasta que cumplió treinta años que se le permitió capacitarse como artista profesional. En 1873 viajó a Karlsruhe donde fue entrenada por Hans Gude. Como mujer, Kielland se vio obligado a tomar lecciones privadas de Gude en lugar de unirse a su clase de pintura de paisajes. La adhesión de Gude al realismo dejó una impresión duradera en Kielland que fue visible en sus obras posteriores. Kielland hizo un rápido progreso durante los dos años que pasó entrenando con Gude. 

Kielland dejó Karlsruhe para ir a Munich en 1875, donde se unió a una colonia de artistas noruegos que vivían allí. En Munich estudió con el realista de inspiración francesa Hermann Baisch, y con el noruego Eilif Peterssen, a quien algunos consideran su maestro más importante. Kielland vivió en Munich hasta 1878. Luego se mudó a París, donde continuó pintando todos los días. 

En 1876 Kielland visitó Jæren en el sur de Noruega. El antiguo maestro de Kielland, Hans Gude, visitó a Jæren en 1869 y 1872 y, a su regreso, le sugirió que debía viajar allí y pintarlo. Kielland preparó estudios mientras estaba en Jæren y luego los usó para pintar el paisaje característicamente plano cuando regresó a Munich, convirtiéndola en la primera artista en hacerlo. Su pintura de Jæren muestra una representación realista del paisaje, pero con efectos atmosféricos unificadores. Kielland regresó a Jæren regularmente durante los veranos, por lo que el paisaje monótono y las turberas de la zona se convirtieron en uno de sus motivos favoritos. Kielland dijo que estaba muy interesada en el área alrededor de Jæren debido a “la grandeza del paisaje y la riqueza de la pobreza”. La habilidad con la que se ejecutó el paisaje la marca como una de las estudiantes más destacadas de Gude. 

En 1879 Kielland se mudó a París, donde compartió un estudio con su compañera noruega Harriet Backer desde 1880-88 . En París exhibió sus pinturas por primera vez. Kielland fue brevemente alumno del pintor paisajista Léon Germain Pelouse que vivía en la cercana Cernay-la-Ville. Kielland dejó París en 1889, un retrato de ella pintado por Anna Ancher poco antes de su partida se puede encontrar en Anchers Hus. 

Kielland trabajó en la simplificación de su arte en la década de 1890 bajo la influencia de Jens Ferdinand Willumsen. Participó con entusiasmo en debates públicos sobre los derechos de las mujeres. Kielland exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Mary Nimmo Moran

Mary Nimmo Moran fue una grabadora estadounidense de paisajes del siglo XIX, especializada en grabados. Completó aproximadamente 70 grabados de paisajes, que incluyeron escenas de Inglaterra y Escocia, así como Long Island, Nueva Jersey, Florida y Pensilvania. En 1881, fue una de las ocho estadounidenses y la primera mujer elegida para la Royal Society of Painter-Etchers de Londres. Era la esposa del artista e ilustrador estadounidense Thomas Moran.

Comenzó a estudiar con su vecino Thomas Moran, quien luego se ganó una reputación local como artista. Dos años después, la pareja se casó y se mudó a Filadelfia, donde tuvieron dos hijas y un hijo. En 1879, su esposo introdujo a Nimmo Moran en la técnica de grabado trabajando directamente en una placa de cobre. Hizo la mayoría de sus grabados cerca de sus diversos hogares, ya que las responsabilidades con su familia en crecimiento le permitían viajar solo ocasionalmente.

Fue elegida para la Society of Painter-Etchers de Nueva York y se convirtió en la única mujer entre los 65 becarios originales de la Royal Society of Painter-Etchers de Londres. Sus impresiones fueron reconocidas por su audacia y originalidad, y fueron recogidas por el crítico británico John Ruskin, entre otros. 

La familia Moran se mudó a Newark, Nueva Jersey en 1872. En 1884 se mudaron a East Hampton, Long Island, que se convirtió en el tema de muchos de los grabados más exitosos de Nimmo Moran. La casa de Moran en East Hampton se convirtió en el centro de una colonia productiva de artistas y hoy es un Monumento Histórico Nacional.

Nimmo Moran exhibió su trabajo en el Edificio de la Mujer en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Emily Sartain

Emily Sartain fue una pintora y grabadora estadounidense. Fue la primera mujer en Europa y los Estados Unidos en practicar el arte del grabado en mezzotint, y la única mujer en ganar una medalla de oro en la Feria Mundial de 1876 en Filadelfia. Sartain se convirtió en una educadora de arte reconocida a nivel nacional y fue directora de la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia de 1866 a 1920. Su padre, John Sartain, y tres de sus hermanos, William, Henry y Samuel eran artistas. Antes de ingresar a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y estudiar en el extranjero, su padre la llevó a un Gran Tour por Europa. Ella ayudó a fundar el New Century Club para mujeres trabajadoras y profesionales, y los clubes profesionales de arte femenino, The Plastic Club y The Three Arts Club.

En 1858, Sartain se graduó de la Escuela Normal de Filadelfia y luego enseñó en la escuela hasta el verano de 1862. John Sartain enseñó arte a su hija, incluyendo la técnica de grabado en mezzotint que revivió, que fue un proceso favorecido en Inglaterra que creó impresiones de pinturas de alta calidad. John Sartain creía en la igualdad de oportunidades para las mujeres y alentó a su hija a seguir una carrera. Hipotecó su casa y le dio una “educación de caballeros” en bellas artes al llevarla a un Gran Tour por Europa a partir del verano de 1862. Comenzaron en Montreal y Quebec y luego navegaron hacia Europa. Ella disfrutaba del campo inglés; ciudades del viejo mundo, especialmente Florencia y Edimburgo; el Louvre; Pinturas renacentistas italianas; y artistas como Dante y la grabadora Elena Perfetti. Ella viajó a Venecia para visitar a William Dean Howells y su esposa Elinor Mead Howells, quien era pintora. Sartain decidió en el transcurso del viaje que quería convertirse en artista. 

Emily Sartain, retratista y grabadora, estudió con Christian Schussele y su padre, John Sartain, en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania.

En 1870, Sartain conoció a Mary Cassatt en Filadelfia y al año siguiente se fueron a París, Londres, Parma y Turín para estudiar pintura. Las artistas pasaron el primer invierno en Italia y estudiaron grabado con Carlo Raimondi, quien enseñó grabado en la Academia de Bellas Artes de Parma. Sartain pasó el resto de la estadía de cuatro años en París y estudió con Évariste Vital Luminais. Ella compartió un estudio con Jeanne Rongier. Florence Esté, amiga de Sartain, también trabajó ocasionalmente en el estudio. Las mujeres se copiaron el trabajo de la otra y se criticaron y animaron mutuamente. Dos de las pinturas de Sartain, una pintura de género Le Piece de Conviction (The Reproof) y un retrato de Mlle. Del Sarte, fueron aceptados en el salón de París en 1875. Sartain regresó a los Estados Unidos ese año, cuando se quedó sin dinero. Harriet (Hattie) Judd Sartain, quien era la esposa de su hermano Samuel y un exitoso médico homeopático, le había prestado dinero a Emily Sartain para su educación. Emily creía que Hattie probablemente continuaría ayudando con los gastos de educación en PhilAdelphia, donde los gastos eran más bajos y era más probable que vendiera sus obras.

Sartain estableció un estudio en Filadelfia en 1875 donde creó pinturas y grabados. A lo largo de su carrera, hizo copias de pinturas en galerías españolas e italianas, retratos, pinturas de género, y fue la primera mujer en practicar el arte de la mezzotinta en los Estados Unidos y Europa. Entre sus obras había escenas de época que representaban mujeres sumisas con ojos bajos como en Italian Woman y The Reproof. Sartain exhibió sus obras en ciudades a lo largo de la costa este de los Estados Unidos y fue la única mujer en ganar una medalla de oro en la Feria Mundial de 1876 en Filadelfia por The Reproof. Ella ganó el Premio Mary Smith a la mejor fotografía de una mujer en las exhibiciones de la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania de 1881 y 1883. 

Sartain trabajó como editor de arte para el periódico Our Continent desde 1881 hasta 1883. Fue entonces la editora de arte de New England Bygones (1883) por Ellen C. H. Rollins. Joseph M. Pennell dijo que Sartain era “la única mujer editora de arte entrenada que conocí”. Sartain expuso su trabajo en el Palacio de Bellas Artes y en el Edificio de Pennsylvania de la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Sartain era una nueva mujer progresista, que junto con su cuñada, Hattie Judd Sartain, formó la organización de mujeres, el New Century Club. Se cree que Hattie la ayudó a alcanzar los encargos de los retratos de los médicos locales Constantin Hering y James Caleb Jackson. Además de haber financiado su educación y ser su aliada y mentora, Hattie también modeló para Sartain.

En 1886 se convirtió en directora de la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia, en la que su padre había servido en la junta como vicepresidente durante años. Era la escuela de arte para mujeres más grande del país, donde, según Henry Adams, era “una pionera defensora de la educación avanzada para mujeres”. Sartain implementó clases de dibujo de vida en la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia, utilizando modelos drapeados de hombres y mujeres desnudas, lo cual era poco común para mujeres artistas en ese momento. Ella creó un programa profesional que se basó en capacitación técnica y larga y altos estándares. A las mujeres se les enseñó a crear obras de arte basadas en formas tridimensionales y humanas. Ella entrenó a mujeres que enseñaban arte. Gracias a sus esfuerzos, llevó el nivel de instrucción en la escuela al de una academia francesa y similar al de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Las escuelas de diseño industrial para mujeres a menudo se consideraban proveedores de formas de arte inferiores, pero Sartain creía que el buen arte se definía más por las capacidades del artista que el medio y que los mismos principios estéticos utilizados para juzgar las bellas artes podían aplicarse a los comerciales. art. Ella fue responsable de presentar a miembros importantes de la facultad como Robert Henri, Samuel Murray y Daniel Garber a la escuela. Sartain era una autoridad nacional establecida en educación artística y arte para mujeres en 1890.

Fue expositora, miembro del jurado de Bellas Artes, presidenta del comité de decoración del Edificio de Pensilvania, [37] y oradora de educación artística en la Exposición Colombina del Mundo de Chicago de 1893. En 1897, Emily Sartain y Alice Barber Stephens, maestra de la escuela, fundaron The Plastic Club en Filadelfia. Sartain también ayudó a fundar el Club de las Tres Artes. 

Como lo ilustra la carrera de Sartain, las escuelas de arte otorgaron estatus profesional en un campo cultural que una vez estuvo dominado por los hombres. Las mujeres artistas utilizaron la escolarización formal para contrarrestar la acusación de amateurismo que frecuentemente se les hacía. Las escuelas de diseño del siglo XIX fueron las primeras instituciones en ofrecer certificación profesional para mujeres en carreras como educación artística, diseño de telas o revistas illustration; por lo tanto, las escuelas abrieron caminos sin precedentes hacia la independencia económica femenina.

Abigail May Alcott Nieriker

Abigail May Alcott Nieriker fue una pintora estadounidense y la hermana más joven de Louisa May Alcott. Abigail fue la base para el carácter de Amy (un anagrama de May) en la novela de su hermana, la semiautobiografica Mujercitas. Fue bautizada por el nombre de su madre, Abigail May, y primero se la llamaba Abba, luego Abby, y finalmente May, adoptándolo como apellido cuando tenía veintitrés años.

Artista desde muy joven, fue además la inspiración para la figura de Amy, una de las hermanas en Mujercitas, quién fue descrita como sigue: “ella nunca fue tan feliz como cuando copiaba flores, diseñaba hadas, o ilustraba historias con especímenes raros de arte.”

Estudió magisterio en la Escuela Bowdoin, Boston, un centro escolar público, desde enero de 1853. Tomando el relevo de Louisa en 1861, Abigail enseñó en la primera Guardería fundada por Elizabeth Palmer Peabody por un mes antes de regresar a su propio trabajo. A principios de diciembre de 1860, se hallaba en Syracuse, Nueva York, donde enseñó una forma temprana de terapia de arte en el Asilo del Dr. Wilbur (Syracuse Escuela Estatal). Regresó a su hogar para empezar a enseñar arte en la Escuela de Concord dirigida por el amigo de su padre Franklin Benjamin Sanborn.

A medida que surgían más oportunidades educativas disponibles en el siglo XIX, las mujeres artistas estadounidenses se convirtieron en parte de las empresas profesionales, incluyendo la fundación de sus propias asociaciones de arte. Las obras de arte hechas por mujeres estaban consideradas inferiores, y para ayudar a vencer tales estereotipos las mujeres se volvieron “cada vez más vocales y confiadas” en la promoción del propio trabajo femenino, y así pasaron a formar parte de la imagen emergente de los “educados, modernos y más libres”.​ Las artistas entonces, “jugaron funciones cruciales en representar a la Mujer Nueva, tanto dibujando imágenes del icono como ejemplificando este tipo emergente a través de sus propias vidas.”

Alcott estudió arte en la Escuela del Museo de Bellas artes en Boston. May Alcott visitó París, estudiando en la Académie Julian y exhibió obras en ambas ciudades, así como en otros lugares en EE.UU. y en Londres. Pintó principalmente flores, aunque también hizo copias excelentes de William Turner. Estudió anatomía artística con William Rimmer en Boston, y también con William Morris Hunt, Krug, Vautier y Müller entre otros. Enseñó arte a un joven Daniel Chester.

Estudió en París, Londres y Roma durante tres viajes europeos, los cuales fueron posibles por los buenos resultados económicos producto de la publicación en 1868 de su hermana Louisa de Mujercitas. Estudió escultura, esbozos y pintura clásica. En Europa se encontró con mujeres con mejores oportunidades educativas que en EE. UU., de todos modos, las academias de arte todavía no dejaban a las mujeres pintar modelos desnudos vivos, solo estatuas. Por eso, estudió con Krug, quién dirigía y permitía a ambos alumnados, masculino y femenino, pintar modelos vivos.

Alcott ilustró la primera edición de Mujercitas, con una recepción crítica negativa. Esas ilustraciones tempranas las hizo antes de sus viajes y estudios en Europa. 

Después de estudiar en París, dividió su tiempo entre Boston, Londres y París. Destacaba como copista y como pintora de bodegones, tanto en óleo como acuarelas. Su éxito como copista de Turner fue tal como para suscitar los elogios del Sr. Ruskin y asegurar la adopción de parte de su trabajo para que los alumnos copiaran en las escuelas de South Kensington en Londres.

Publicó Concord Sketches con un prefacio escrito por su hermana.​ Después de haber estudiado en Europa, fue “una artista cumplida” durante los años 1870, y sus trabajos durante esos tiempos mostraron una mejora marcada comparando con sus ilustraciones tempranas para Mujercitas y la representación “peculiar” de Walden Pond en Concord Sketches. Sus trabajos después de sus estudios europeos y la exposición a obras de arte clásicas se reflejó en “una mano más segura, un foco más claro, y una visión más ancha del mundo”.

Abigail creó un plan y equipó un estudio en 1875 para un centro de arte en Concord donde apoyar y promover a artistas emergentes.

Vivía en Londres y estudiaba arte de paisaje cuando conoció a Ernest Nieriker. Ernest Nieriker, de 22 años, era un comerciante suizo de tabaco y violinista.Ernest apoyaba la carrera artística de Abigail, la confortó tras la muerte de su madre en noviembre de 1877, y se comprometieron en febrero de 1878. El 8 de noviembre de 1879, Abigail dio a luz a su hija Louisa May “Lulu” en París. Y, por complicaciones del parto, falleció allí siete semanas más tarde, el 29 de diciembre de 1879.

Ellen Frances Burpee Farr

Ellen Frances Burpee Farr fue una pintora estadounidense. Fue una de las primeras mujeres artistas en California, donde pintó la flora y los paisajes locales.

Ellen Frances Burpee Farr (apellido de nacimiento Burpee). Estudió en la New Hampton Institution y en Thetford Academy en Vermont. Luego enseñó dibujo en la New Hampton Institution.

Farr exhibió su trabajo en el Edificio del Estado de California en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois. 

Farr era miembro del Boston Art Club, donde también expuso. También mostró sus pinturas en la Feria del Estado de California.

Frances Anne Hopkins

Frances Anne Hopkins (apellido de nacimiento Beechey) fue una pintora británica.

Hopkins era de una familia de clase media alta. Ella provenía de una familia de artistas y exploradores del Ártico. Su padre, Sir Frederick, era un consumado acuarelista. La tía de Hopkin, Anne Phyllis Beechey, también conocida como Lady Beechey, era miniaturista. Su abuelo, Sir William Beechey, también fue retratista y miembro de la Real Academia de las Artes. Las pinturas y dibujos de Hopkins sugieren entrenamiento artístico, pero esto puede haber sido en casa más que en la educación formal.

Hopkins, que ya había sido expuesta a las bellas artes en su juventud por su familia, vio la oportunidad de viajar a Canadá y pintar, fue vista por ella como una aventura personal, así como una oportunidad profesional. 

En 1858, se casó con un funcionario de Hudson’s Bay Company, Edward Hopkins, cuyo trabajo lo llevó a América del Norte. Hopkins viajó junto con él. Mientras navegaba, fue capaz de dibujar extensamente, por lo tanto, capturando una forma de vida ahora perdida: los últimos días del comercio de pieles. A los 20 años, se casó con Edward Martin Hopkins, secretario del gobernador general de la Compañía de la Bahía de Hudson, en la Iglesia de San Salvador, Paddington, Londres. El trabajo de su esposo la llevaría a un viaje que proporcionaría temas para sus piezas de arte.

Cuando llegó a Lachine, la estación oriental del comercio de pieles de Montreal, Hopkins comenzó a dibujar y pintar el entorno que rodeaba su nuevo hogar sin demora. Algunos de sus temas incluían la casa y el jardín de la familia Hopkins, que estaba en la orilla del río San Lorenzo, la casa de al lado, el muelle de Lachine y la cercana isla de Dorval. Los bocetos que produjo en los dos años que pasó en Lachine se compilaron en lo que ahora se conoce como el “Lachine Sketchbook” de 1858 a 1860, y las pinturas que creó en 1858 a 1859 están en el “Álbum Hopkins”. En En 1860, después de la muerte de Sir George Simpson, el Jefe de Factor Edward Hopkins fue ascendido a Superintendente del departamento de Montreal de la Hudson’s Bay Company y, como resultado, tuvo que trasladar a su familia de Lachine a la zona de Côte-des-Neiges en Montreal.

Los primeros bocetos conocidos de Hopkins de Canadá coinciden con su llegada inmediata a Canadá de 1858 a 1860, que fueron escenas prominentes de Lachine y Montreal. Durante sus viajes al aire libre, trabajaba principalmente con acuarela, que era un medio típico para obras de arte al aire libre en ese momento debido a lo fácil que es transportarla. Los viajes que influirían en sus famosas pinturas al óleo más tarde se inspiraron principalmente en sus recorridos por las rutas de comercio de pieles con su esposo: visitaron los Grandes Lagos Superiores y el Mattawa (Ontario) y Ríos de Ottawa. 

Hopkins estuvo activa en la sociedad de clase alta de Montreal. Fue una anfitriona destacada de importantes visitantes ingleses que vinieron a negocios relacionados con el comercio de pieles, y tuvo lazos sociales con los mecenas de las artes en Montreal, quienes en ese momento estaban estableciendo sociedades de arte y construyendo sus propias colecciones de arte individuales.

Durante su tiempo en Canadá, Hopkins acompañó a su esposo en muchos de sus viajes. Viajar en canoa se estaba volviendo menos común en Canadá a medida que los ferrocarriles se desarrollaban y mejoraban, pero el viaje hacia y desde puestos comerciales remotos en los Grandes Lagos todavía era a menudo en canoa. En estos viajes, y en los viajes que hizo por placer, Hopkins bosquejó y registró sus experiencias y sus alrededores. Con el apoyo de su esposo para ella y su arte, Hopkins pudo viajar independientemente en canoa, lo cual era muy raro que las mujeres hicieran en ese momento. Como resultado de esto, se convirtió en una de las únicas artistas femeninas que estuvo directamente involucrada en la escena del viaje en canoa. 

Aprovechó la oportunidad de hacer un bosquejo durante estos viajes y eventualmente convirtió muchos de sus bocetos en las pinturas de viaje con las que está asociada hoy. Hopkins y su esposo también hicieron breves visitas a Inglaterra, donde exhibió su trabajo y se fue de vacaciones a Francia. 

En 1860, las obras de arte de Hopkin se exhibieron por primera vez en la exposición de Londres. En la Exposición de la Royal Society of British Artists, se exhibieron tres de sus acuarelas. Canoas en una niebla: el lago Superior fue un trampolín para Hopkins; Esta fue la primera de sus muchas pinturas que llegarán a la Real Academia de Londres. Un total de otras cinco pinturas llegaron a la lista que es: Left to Die, Canadian Voyageurs on Lake Superior comenzando en Sunrise, Wilfred Hopkins (Portrait of Son) y finalmente corriendo un rápido en el río Mattawa, Canadá, estos fueron realizados desde del año 1869 a 1878. Hoy, muchas de sus pinturas son parte de la colección de la Biblioteca Nacional y los Archivos de Canadá.

Hopkins pintó activamente durante las décadas de 1860 y 70. Sus obras más conocidas son varias pinturas grandes hechas de sus bocetos. Ella retrató la vida de un viajero a mediados del siglo XIX. Hopkins. Al mismo tiempo, considerando eso, ella era una artista ubicada en un contexto donde prevalecían las restricciones impuestas por el género. De hecho, Frances Anne Hopkins fue conocida como una mujer que “replanteó una identidad basada en la diferencia: una mujer en un grupo de hombres”. Sus obras se presentaron en exposiciones de la Asociación de Arte de Montreal, seguidas de once exposiciones en la Royal Academy de Londres. 

Hopkins completó algunas de sus pinturas al óleo más conocidas en su estudio en Hampstead, Inglaterra, al regresar allí permanentemente. En 1869, Hopkins exhibió su pintura al óleo Canoas in a Fog, Lake Superior en la Royal Academy de Londres. Esto marcó un punto de inflexión importante en su carrera porque su popularidad en Gran Bretaña gradualmente se hizo más grande, ya que la atmósfera romántica que poseían sus pinturas era muy atractiva para la audiencia británica, y se vendieron mejor en el mercado de arte de Londres en comparación con el Mercado de arte de América del Norte. La siguiente pintura al óleo de ella que se exhibiría en la Royal Academy fue Canoa que viaja en los bosques de Canadá. Entre los años de 1860 y 1891, Hopkins exhibió un total de once veces en la Royal Academy. 

La pintura de paisajes en ese momento se consideraba rigurosa para una mujer, sin embargo, los viajes de Hopkins a Canadá le permitieron a Hopkins establecer su reputación como pintora profesional que se especializó en pintura de paisajes del desierto canadiense. 

Su pintura tiene un fuerte uso del lenguaje narrativo, estilístico y fotográfico. A menudo se la identifica con el realismo, así como con la presencia del idealismo romántico en sus pinturas. 

Después de regresar a Inglaterra, Frances Anne Hopkins continuó pintando o dibujando casi a diario. Trabajó en su propio estudio en Hampstead, Inglaterra. Hopkins completó varias pinturas al óleo que reflejaban su vida en Canadá, utilizando sus recuerdos del paisaje canadiense y los bocetos que había producido mientras vivía allí como referencias. 

Su esposo murió en Inglaterra en 1893, lo que provocó que Hopkins se involucrará más profundamente en el aspecto comercial de su carrera artística para obtener ingresos adicionales. Esta participación consistió en producir pinturas a pedido para sus clientes, enviar su obra de arte a varios comerciantes de arte y galerías comerciales, y vender su propio trabajo, ella misma fijó los precios. 

El viaje marítimo de Hopkins con su esposo afiliado a HBC tuvo un impacto significativo en sus obras de arte. El tema del manejo de la canoa es consistente en sus pinturas y bocetos. La inmensidad del océano se convirtió en el espacio de trabajo de Hopkins, donde ella había fomentado su creatividad. Su tema era el género y el paisaje. Las pinturas muestran viajeros y sus canoas con su esposo y ella entre los remeros. En sus pinturas, retrata con gran detalle las habilidades necesarias en las maniobras de canoas colocadas en escenas románticas. Sus temas contemporáneos mostraron un realismo vívido. Su obra encarna el vigor, la concentración, la resistencia y la competencia del viajero. Los críticos aplaudieron su habilidad por la claridad y precisión. Este estilo de pintura de realismo se ha asociado con ella, aunque su estilo permanece sin identificar. Además, algunas de sus pinturas representan una mezcla de idealismo romántico, en particular, el aspecto naturalista de sus otras obras. 

Academicismo: Elizabeth Jane Gardner

Elizabeth Jane Gardner fue una pintora figurativa, académica y de salón estadounidense.

Elizabeth primero asistió a la Academia de Damas Jóvenes en Exeter y luego se mudó al Seminario Femenino Lasell en Auburndale, Massachusetts, donde estudió arte e idiomas, aprendiendo inglés, francés, italiano y alemán. Se graduó en 1856 y pasó los siguientes años enseñando francés en una escuela recién inaugurada en Worcester, Massachusetts. En 1864, después de enseñar arte en el Seminario Lasell, ella e Imogene Robinson se fueron a Francia. Para pagar su renta, pasó su tiempo copiando pinturas de artistas contemporáneos y maestros mayores en prestigiosas galerías. Más tarde, en el otoño de ese año, Elizabeth decidió postularse a la École des Beaux-Arts. Esta escuela era conocida como la academia de arte más prestigiosa de París. Lamentablemente, su solicitud fue rechazada. Como la mayoría, si no todos los establecimientos de arte en ese momento, la escuela era solo para hombres. La prohibición de las solicitudes de mujeres no se levantó hasta 1897, treinta y cinco años después de que Gardner hubiera presentado su solicitud. Sin embargo, Elizabeth no se rindió. Ella continuó inscribiéndose en clases privadas y construyendo una cartera excepcional de obras de arte.

Poco después de que Gardner llegó a París con su antiguo maestro, Imogene Robinson, comenzó a copiar imágenes en el Museo de Luxemburgo, y el estudio de Gardner se convirtió en un lugar donde los estadounidenses solicitaron copias encargadas de sus pinturas europeas favoritas. En una carta a su hermano, Gardner señaló: “Los estadounidenses están comprando muchas fotos. Siempre he tenido la satisfacción de complacer a aquellos a quienes he pintado. Un caballero estaba tan satisfecho con una copia que le hice que me pagó más lo que pedí”.  Estudió brevemente con Jean-Baptiste-Ange Tissier antes de partir en 1865 para unirse a un estudio cooperativo independiente para mujeres.

En 1866, Gardner fue la primera mujer estadounidense que expuso en el Salón de París, junto con su compatriota y amiga Mary Cassat. Premiada con una medalla de oro en el Salón de 1872, se convirtió en la primera mujer que recibió semejante honor.

En 1868, Gardner fue la primera mujer estadounidense en exponer en el Salón de París.  También durante ese período, sus pinturas fueron aceptadas en 25 salones de París. Galardonada con una medalla de oro en el Salón de 1872, se convirtió en la primera mujer en recibir tal honor. Las obras de Elizabeth Gardner Bouguereau fueron aceptadas en el Salón más que cualquier otra mujer pintora en la historia y más que todos, excepto algunos de los hombres.

El mayor desafío para su entrenamiento fue la restricción a las mujeres que estudian anatomía de modelos desnudas. Ella eludió esta restricción al ponerse un atuendo masculino para obtener la admisión a la escuela de dibujo para hombres en Manufacture Nationale des Gobelins et de la Savonnerie. En 1873, Gardner finalmente fue admitida en la Academia masculina Julian, donde estudió con el pintor figurativo Hugues Merle, el conocido pintor de salón Jules Joseph Lefebvre, y finalmente con William-Adolphe Bouguereau, con quien se casó en 1896, y cuyo estilo adoptó con tanto éxito que parte de su obra puede ser confundida con la de él. Ella adoptó sus temas, composiciones e incluso su suave facción, canalizando su estilo con tanto éxito que su trabajo podría confundirse con el de él. De hecho, se la citó diciendo: “Sé que estoy censurada por no afirmar más audazmente mi individualidad, ¡pero preferiría ser conocida como la mejor imitadora de Bouguereau que ser nadie!” 

El trabajo más conocido de Gardner puede ser El pastor David triunfante (1895), que muestra al joven pastor con el cordero que ha rescatado. Entre sus otros trabajos estaban Cenicienta, Cornelia y sus joyas, Corinne, Adivina, Maud Muller, Daphne y Chloe, Ruth y Naomi, La hija del granjero, La boda bretona y algunos retratos.

Gardner exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes y The Woman’s Building en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois. 

Gardner era muy independiente y luchadora. Al igual que la artista Rosa Bonheur, solicitó a la policía un permiso que le permitiera usar ropa de hombre para poder asistir a clases de vida en los famosos tapices de Gobelins.  Era una mujer de negocios astuta y una excelente lingüista, que cambiaba fácilmente de su inglés nativo al francés, italiano o alemán para que sus invitados y potenciales clientes se sintieran cómodos. Se destacó en las gracias sociales y sabía cómo administrar la publicidad y fomentar las relaciones que ayudarían a avanzar en su carrera. Su habilidad para abrirse camino en las redes sociales en París le valió ventas y comisiones de retratos.

Una de las obras más conocidas de Gardner, La Confidence (ca. 1880) se encuentra en la colección del Museo de Arte de Georgia. Esta pintura representa un secreto íntimo y susurrado entre dos jóvenes campesinas. La pintura fue entregada al Instituto Lucy Cobb, una escuela para niñas en Atenas, Georgia. Colgado en el salón del salón de la escuela, el trabajo era querido en la colección de la escuela y se consideraba que tenía un “propósito moralizante” para las jóvenes matriculadas en la escuela que terminaba. En 1991, el pintor y cineasta de la Universidad de Georgia James Herbert (director) se apropió de la pintura de Gardner y varios otros de la colección del Museo de Arte de Georgia y reinterpretó la imagen en el video de la canción de la banda de Atenas REM “Low”  de El álbum Out of Time.

Florence Freeman

Florence Freeman fue una escultora estadounidense. Trabajó principalmente en Roma, y ​​se destacó por los bajorrelieves de Dante y los bustos de retratos.

Después de estudiar con Richard Saltonstall Greenough, fue a Italia con Charlotte Cushman y estudió durante un año en Florencia con Hiram Powers. En 1862 abrió un estudio en Roma, donde pasó su vida profesional. Ella ejecutó varios bajorrelieves de Dante; un busto de Sandalphon; “El niño dormido”; “Thekla, o la madeja enredada”; y varias chimeneas, una de las cuales, “Niños y el registro de Yule y los espíritus de la chimenea”, estuvo en la exposición del Centenario en Filadelfia.

Jeanne-Élisabeth Gabiou

Jeanne – Élisabeth Chaudet (nombre de nacimiento nacida Jeanne-Élisabeth Gabiou) es una pintora francesa y esposa del escultor Antoine Denis Chaudet.

El espíritu familiar es propicio para la creatividad. Estudió escultura con Antoine-Denis Chaudet, con quien se casó en 1793. Después de la muerte del escultor en 1810, Jeanne-Elisabeth se casó dos años después con Pierre-Arsène-Denis Husson, un alto funcionario de finanzas. Esta segunda unión no terminó con su carrera artística ya que continuó exhibiendo en el Salón hasta 1817 antes de morir de cólera en 1832, a la edad de sesenta y cinco años. En 1843, su segundo esposo legó al Museo de Bellas Artes de Arras, diez pinturas del artista, nueve de las cuales lamentablemente fueron destruidas por los bombardeos de julio de 1915.

Su pintura Retrato de Madame Villot, Barbier , fue incluida en el libro Mujeres Pintoras del Mundo en 1905. Era cuñada de la pintora Marie – Elisabeth Gabiou; También era prima lejana de Marie – Élisabeth Gabiou y sus hermanas, Marie – Denise Villers y Marie – Victoire Lemoine .

Ellen Robbins

Ellen Robbins fue una ilustradora botánica estadounidense del siglo XIX conocida por las pinturas de flores silvestres y hojas de otoño. Fue una de las colaboradoras de la primera exposición anual de la American Water Society en 1867/1868.

Ellen Robbins era la hija menor del dueño de una fábrica que murió cuando aún era una niña. Posteriormente, su fábrica se quemó, y la combinación de eventos dejó a la familia en circunstancias difíciles. Robbins comenzó a tratar de ayudar a las finanzas de la familia al conseguir trabajo cuando aún era muy joven. Después de probar varias artes domésticas, recurrió a la pintura de acuarela. Aunque recibió capacitación de un artista llamado Stephen Salisbury Tuckerman, fue en gran medida autodidacta.

En sus veintes, Robbins comenzó a producir libros de ilustraciones de flores y a venderlos por la suma sustancial de 25$ cada uno. Su éxito con estos la llevó a ampliar de flores a hojas de otoño. Era conocida por un trabajo tan realista que, como escribió un contemporáneo, las abejas podrían iluminar sus flores. Del mismo modo, sus pinturas de hojas todavía son ocasionalmente confundidas con hojas reales por los espectadores. El historiador de arte Samuel Benjamin la consideraba “uno de los mejores pintores de bodegones de Estados Unidos”. Sin embargo, otro historiador de arte ha comparado los “bordes ásperos y el color local directo” de las pinturas de flores de Robbins desfavorablemente. para el trabajo de Childe Hassam, sin embargo, esas son precisamente las cualidades que admiran sus admiradores.

Además de publicar libros, Robbins vendió pinturas originales a través de una tienda en Boston. Su trabajo se puso de moda tanto en Estados Unidos como en Inglaterra, y comenzó a pintar diseños botánicos en porcelana e incluso muebles para sus clientes. En la década de 1840, comenzó a crear diseños textiles, así como diseños para azulejos y costura. En la década de 1840, ella también comenzó a enseñar pintura de acuarela.

A finales de la década de 1860, después de la introducción de la cromolitografía, el litógrafo Louis Prang la contrató para crear una serie de flores y hojas de otoño específicamente para venderlas como impresiones. A través de contactos entre destacados bostonios como Henry Ward Beecher, fue invitada a crear un friso en el Wellesley College en las afueras de Boston.

En 1896, publicó una serie de artículos en la revista New England que reflexionaban sobre su vida, titulados “Recuerdos de un pintor de flores”.

Julia Colt Pierson Emmet

Julia Colt Pierson Emmet fue una ilustradora y pintora estadounidense .

Estudió arte con Daniel Huntington.

Julia tuvo diez hijos, entre ellos:

Rosina Hubley Emmet (1854–1948), quien fue pintora y madre del dramaturgo Robert E. Sherwood .
Lydia Field Emmet (1866–1952), quien fue una retratista prominente.
Jane Erin Emmet (1873–1961), quien también fue una retratista prominente y se casó con el pintor impresionista británico Wilfrid de Glehn.

Henriette Browne

Sophie de Bouteiller fue una pintora orientalista francesa mejor conocida por su seudónimo Henriette Browne.

Reconocida internacionalmente durante su vida por su enfoque poco convencional del orientalismo, Henriette Browne se especializó en escenas de género que representaban el Cercano Oriente de una manera menos sensacionalista, aunque aún exótica, que sus contemporáneos. Su sexo, posición social e influencia de su madre fueron fundamentales para su desarrollo como artista. Si bien muchas de sus obras se han perdido en el tiempo; los que quedan son testimonios de la habilidad y la sensibilidad de un pintor que la historia ha pasado por alto en gran medida.

Sophie de Bouteiller nació en París el 16 de junio de 1829, hijo del conde de Bouteiller y su esposa. Su padre era músico aficionado y su madre una cantante consumada. Browne alcanzó una posición privilegiada en la sociedad debido a su padre, que descendía de una antigua familia bretona. La madre de Sophie y se convirtió en la Condesa de Bouteiller. La condesa alentó a Sophie a seguir una educación en las artes desde una edad temprana: en caso de que tenga la necesidad de mantenerse económicamente. Ella insistió en que Sophie estudiara música y dibujo, y la condesa y otros tutores la educaron en casa en su casa de París. En 1849, Sophie decidió seguir estudios más serios en dibujo convirtiéndose en alumna de Monsieur Emile Perrin, quien más tarde se convirtió en el director de Teatro-Francais. En 1851, Sophie ingresó a la clase de monsieur Charles Joshua Chaplin para artistas femeninas. Aquí tuvo la oportunidad de estudiar a partir de modelos en vivo, obteniendo conocimientos indispensables sobre la representación de las proporciones y movimientos del cuerpo. 

Entre 1851 y 1853, Sophie adoptó el seudónimo de Henriette Browne, el nombre de su abuela materna. En 1853, bajo su seudónimo recién elegido, Browne presentó su primer trabajo al Salón de París, donde exhibió regularmente hasta 1878, un año antes de la muerte de su esposo. Con este seudónimo, Browne buscó mantener su vida profesional y personal separada. Además, al distanciarse de su carrera artística, Browne deseaba preservar su posición social, ya que en ese momento no se consideraba apropiado que una dama también fuera una artista profesional.

Henriette Browne se casó con el señor Henry Jules de Saux, un diplomático francés y secretario del conde Walewski, en 1853. Browne acompañó a su esposo en los muchos viajes que su trabajo requería, viajando extensamente a lugares como Italia, Holanda y Constantinopla. Estos viajes demostraron ser vitales para su formación artística, exponiendo a Browne a nuevos entornos. El viaje a Constantinopla fue de particular importancia, ya que fue durante este viaje que visitó un harén turco, obteniendo experiencia de primera mano sobre cómo era realmente este espacio privado. Se cree que esta experiencia contribuyó a la manera única en que más tarde retrataría a Oriente en sus pinturas y grabados. En estas imágenes, las mujeres saludan a los visitantes y escuchan música. Se les muestra realizando actividades cotidianas en lugar de desnudarse, fumar o atender a los hombres. Después de estas pinturas, Browne dirigió su atención principalmente a los temas de las escuelas y los niños, al estilo orientalista. En la década de 1870, su reputación estaba bien establecida y se le otorgó una posición distinguida entre los pintores orientalistas. El trabajo de Henriette Browne pronto se convertiría en una piedra de toque para todas las pintores orientalistas posteriores.

En 1879, Browne había dejado de exhibir en gran medida y podía mirar hacia atrás en una carrera productiva como un género y artista orientalista internacionalmente buscado. Se convirtió en miembro honorario del Royal Institute of Painters in Watercolors de Londres en 1894. Henriette Browne tuvo una exitosa carrera como artista y, aunque muchas de sus obras no se encuentran, las obras supervivientes en colecciones privadas dan testimonio de su popularidad. Hoy, sus pinturas ofrecen una intervención en el tipo de orientalismo del siglo XIX que en gran medida abasteció y reafirmó el estado de la mirada dominante de los hombres.

Los primeros trabajos de Browne consistieron en retratos, escenas de género doméstico y religieuse francés. Su capacidad de realismo era evidente al comienzo de su carrera. Browne era un artista naturalista, que tenía una reputación de pintar de hecho observable. Se hizo conocida por su audacia con la que representaba escenas de género. Su escala, realismo y presentación frontal de la figura eran características inusuales para la época.

Muchas de sus primeras escenas de género se centraron en temas de religión y / o niños. Sus primeros trabajos a menudo contenían temas de patetismo y sentimiento. Había otras tres características clave en sus pinturas. Primero, sus pinturas a menudo eran extremadamente grandes para escenas de género y sus figuras se colocaban hacia el frente de la imagen. Segundo, ciertos aspectos recordaron elementos del arte holandés del siglo XVII. Estos aspectos incluyen su división del plano que retrocede y la centralización de la luz en sus interiores. Por último, su trabajo contenía realismo. Si bien sus pinturas fueron creaciones de su mente, todos los elementos y detalles fueron tomados de la vida real. Una revisión de su trabajo en Woman’s English Journal declaró que “ella observa, combina y reproduce… cada detalle se copia de la Naturaleza”. 

Además, Browne fue una grabadora profesional. Ella fue la primera en hacer grabados en acero de la obra de Alexandre Bida, que consistía en dibujos orientales y escriturales. Se tomó la libertad de hacer modificaciones en sus copias, como quitar objetos, aligerar la ropa y “orientalizar” la escena.

Henriette Browne fue famosa por sus súbditos de harenes y conventos orientales. En sus pinturas, el harén se muestra como un espacio para la interacción social entre las mujeres en lugar de un espacio de placer sexual para los hombres. Ella representaba el trabajo femenino, la sexualidad y el espacio, y priorizaba la mirada femenina. Debido a su género femenino, Browne pudo interactuar personalmente con el harén oriental y sus habitantes, presenciar la política de género que gobernaba el harén y representar la interacción entre las mujeres en el harén que otros artistas masculinos no podían. Las representaciones del harén oriental por artistas masculinos se basaron en gran medida en la fantasía, ya que los hombres no podían entrar en estos espacios femeninos, por lo tanto, su sexualidad se exageró para ajustarse a las fantasías masculinas. Su habilidad para visitar un harén le permitió pintar escenas del harén de manera diferente a los hombres. Ella no objetiva a las mujeres, sino que presenta un espacio doméstico tranquilo y controlado, excluye a los hombres de las escenas y pinta con una paleta de colores más tenue. La mayor contribución de Browne fue que desacreditó los mitos culturales y sexuales sobre el harén mientras desexualizaba y domesticaba el sitio. Las pinturas de Browne no fueron controvertidas en términos de estilo y representaciones verdaderas de la comunidad femenina que rompieron con la tradición orientalista masculina.

Las pinturas de Browne tenían un atractivo popular. Su trabajo alcanzó altos precios y atrajo a mecenas influyentes como el emperador Napoleón III y la emperatriz Eugenia en la década de 1850. Sus pinturas fueron bien recibidas en Gran Bretaña y Francia, aunque sus escenas de género tuvieron una mayor importancia en Gran Bretaña y sus pinturas orientalistas fueron muy elogiadas en Francia. Las obras de Browne se celebraron, ya que rompieron con la tradición orientalista masculina, pero también fueron indiscutibles en términos de estilo. La reputación del artista entre los críticos como artista serio nunca estuvo bajo amenaza. 

Las primeras escenas de género de monjas y niños de Browne fueron extremadamente populares en Gran Bretaña a pesar del antirromanismo generalizado en ese momento. Después de su éxito en el Salón de París de 1859, su pintura Les Soeurs de Charité se mostró en Londres, donde fue identificada como una obra maestra. 

Su fama posterior se atribuyó más estrechamente a sus pinturas orientalistas. Los primeros temas orientalistas de Browne explotaron en la escena del arte francés en 1861. Las dos pinturas llamadas Interiores inmediatamente recibieron cobertura crítica. Esta fue la primera y última vez que pintó este tipo de escena. Después de estas dos pinturas, continuó produciendo temas orientalistas de niños, escuelas, académicos e individuos de la sociedad oriental. Sus pinturas orientalistas continuaron siendo populares en Francia a lo largo de su vida.

Neoclasicismo: Margaret Foley

Margaret F. Foley fue una escultora estadounidense que trabajó en un estilo neoclásico. Además de la escultura, es conocida por el cameo, los retratos de medallones y la talla directa.

Nacida en el norte de Vermont en 1827, Margaret Foley fue una escultora autodidacta prodigio de la zona rural de Vermont. Ella comenzó a tallaren la ciudad rural de Vergennes, Vermont, donde creció. Hija de un granjero, Foley trabajó como empleada doméstica para poder pagar su educación, y más tarde se convirtió en maestra de escuela. A la edad de catorce años, Foley viajó a Lowell, Massachusetts para trabajar en la sala de hilatura de la Corporación Merrimack como una chica de fábrica.

Mientras trabajaba en la fábrica, Foley comenzó una carrera como talladora profesional de camafeo tanto en conchas como en lava. Aprendió este oficio en la Escuela de Diseño para Mujeres de Ednah Dow Cheney, que abrió en 1850 para proporcionar capacitación ocupacional para mujeres solteras en las artes domésticas. El tallado en cameo, como la pintura en miniatura, se consideraba una carrera adecuada para las mujeres artistas debido a su naturaleza decorativa y asociación con el sentimentalismo. Foley continuó como artista del cameo a lo largo de su carrera como escultora, y a menudo recibió elogios por sus cameos cuando fueron exhibidos. 

En 1860, con la ayuda de un político de Vermont que reconoció su talento, emigró a Roma para estudiar y hacer crecer su carrera como escultora. Viajó con Charlotte Cushman y Emma Stebbins, quienes fueron figuras centrales en una comunidad expatriada de escultoras e intelectuales estadounidenses que también incluía a Harriet Hosmer, Anne Whitney, Edmonia Lewis, Louisa Lander, Vinnie Ream y otras. Al principio, la situación financiera de Foley en Roma era difícil, pero pronto encontró empleo creando retratos de medallones para personas destacadas y escribiendo sobre arte para el Boston Evening Transcript y el Crayon. Cuando llegó por primera vez a Roma, compartió un estudio con Emma Stebbins, pero después de recibir algunas instrucciones de John Gibson, abrió su propio estudio a través de Due Macelli.

Como artista de una clase trabajadora sin el apoyo confiable de mecenas adinerados, Foley eligió la mayoría de sus temas en función de las demandas del mercado del arte. Estos incluían medallones de alivio, piezas elegantes y cameos, todo lo cual atrajo a los turistas estadounidenses y británicos que visitaron su estudio como parte del Gran Tour. Al igual que muchas de las otras escultoras estadounidenses que trabajan en Roma, Foley talló sus propias canicas para mantener bajos los costos y garantizar un control artístico completo del resultado final. Dentro de este círculo, solo Harriet Hosmer tuvo el éxito suficiente como para requerir el empleo de asistentes de estudio.

En Roma, Foley comenzó a esculpir grandes retratos de medallones de mármol, por ejemplo, un retrato del poeta William Cullen Bryant, así como bustos de retratos en la ronda, como el busto de 1877 del ministro trascendental Theodore Parker. Uno de sus medallones más conocidos, creado en 1866, representaba a Pascuccia, una modelo de Nápoles famosa por su belleza. Con una cruz cristiana en el cuello y rasgos semíticos, Pascuccia encarnaba el mundo políglota de la Roma del siglo XIX, y Foley vendió al menos cuatro versiones de la escultura.

Foley también esculpió temas bíblicos e históricos como Jeremías y Cleopatra, que se exhibieron en el Salón Principal de la Exposición del Centenario de Filadelfia de 1876. Foley también exhibió una gran fuente en el Salón Hortícola de la Exposición, que consta de tres niños que sostienen una cuenca de mármol adornada con hojas de acanto (ahora en el Centro Hortícola Fairmount Park en Filadelfia, Pensilvania). A lo largo de su carrera, ganó muchas comisiones y elogios por su “estilo noble y delineado con precisión”.

A partir de la década de 1870, la salud de Foley comenzó a fallar ya que sufría una enfermedad neurológica debilitante que le impedía tallar sus propias canicas directamente.

Louisa Lander

Louisa Lander era un miembro de la comunidad de expatriados de las mujeres estadounidenses escultoras que se estableció en Roma en el mediados del siglo XIX, dirigido por Charlotte Cushman y Harriet Hosmer. Lander fue condenada al ostracismo de esta comunidad en 1859 debido a un escándalo personal rumoreado, y muchos de los detalles de su vida posterior siguen siendo desconocidos.

(María) Louisa Lander nació en 1826 en Salem, Massachusetts, en una privilegiada familia de Nueva Inglaterra.

Comenzó a tallar y modelar en madera, alabastro, y lacre, y trabajó profesionalmente como talladora de camafeos al principio de su carrera. 

Antes de 1855, ella tenía su propio estudio en Salem, donde produjo retratos y bustos ideales.

Después de la muerte de Crawford, Lander estableció su propio estudio. Aquí comenzó una escultura de tamaño natural de Virginia Dare, que era el primer hijo nacido de padres ingleses en el continente americano y que desapareció con sus padres en el misterio de la colonia perdida de Roanoke Island. Si bien no hay evidencia de que el niño sobrevivió, una teoría persistente ha sugerido que los colonos de Roanoke fueron absorbidos por la población indígena local, y Lander representa a Dare como una princesa india adulta. 

Lander es condenada al ostracismo de la comunidad y expatriada americana en Roma tras unos rumores de que había utilizado a su primo como modelos de desnudos.

A la edad de diecinueve años, Lander fue a Roma, donde se unió al círculo de mujeres estadounidenses artistas extranjeros que incluían Harriet Hosmer, Anne Whitney, Edmonia Lewis y Emma Stebbins. De inmediato buscó al escultor estadounidense Thomas Crawford, cuyo trabajo había estudiado durante las visitas al Ateneo de Boston. Impresionado con su trabajo, Crawford la tomó como alumna y ayudante, y estudió con él durante un poco más de un año antes de su muerte prematura en 1857.

Lander volvió a Boston el 1 de abril 1860 y tuvo un estudio en la calle Tremont. Fue bien recibida por el mundo del arte de Boston, y fue capaz de recuperar su carrera dañada. En mayo de 1861, tras el estallido de la Guerra Civil Americana, se trasladó a Washington, DC, y se ofreció como enfermera en los hospitales locales, donde también continuó con su carrera escultórica. Poco se sabe de su vida después de la década de 1870.

Anna Massey Lea Merritt

Anna Massey Lea Merritt fue una pintora y grabadora estadounidense activa en Gran Bretaña. Pintó retratos, paisajes y escenas religiosas. Nació en Filadelfia, pero vivió y trabajó en el extranjero la mayor parte de su vida en Gran Bretaña. Merritt trabajó como artista profesional durante la mayor parte de su vida adulta, “viviendo de su pincel” antes de su breve matrimonio con Henry Merritt y después de su muerte.

Hija de una rica pareja cuáquera, Joseph Lea y Susanna Massey, y la mayor de seis hermanas. Estudió anatomía en el Woman’s Medical College de Pennsylvania. La familia se mudó a Europa, donde tomó lecciones de arte de Stefano Ussi, Heinrich Hoffman, Léon Cogniet y Alphonse Legros. Se mudaron a Londres en 1870 para escapar de la Guerra Franco-Prusiana, y en 1871 conoció a Henry Merritt, un destacado crítico de arte y conservador de imágenes, que se convertiría en su tutor y más tarde, su esposo. Aunque Merritt ya era una artista reconocida, tenía la intención de terminar su carrera profesional después de su boda, pero volvió a pintar después de la muerte de su esposo. 

Merritt pasó el resto de su vida en Inglaterra, aunque con frecuentes viajes a los Estados Unidos, con exposiciones y premios en ambos países, convirtiéndose en una artista célebre. Exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes y The Woman’s Building en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

En 1894-1895 pintó las paredes de la iglesia de San Martín, en el pueblo de Blackheath, utilizando una nueva técnica de pintura sobre yeso seco con pinturas a base de silicona para contrarrestar los efectos de la humedad. Las pinturas son de escenas de la vida de Cristo.

Aunque era estadounidense, Love Locked Out se exhibió en la Royal Academy en 1890 y se convirtió en la primera pintura de una mujer artista adquirida para la colección nacional británica a través del legado de Chantrey.

En 1900, Merritt escribió que sentía que no había enfrentado mucha discriminación por su género, pero señaló las presiones sociales que podrían inhibir la carrera de una artista femenina, y concluyó:

“El principal obstáculo para el éxito de una mujer es que ella nunca puede tener una esposa. Simplemente refleje lo que una esposa hace por un artista: guarda su casa; escribe sus cartas; visitas para su beneficio; aleja a los intrusos; sugiere personalmente bellas imágenes; Siempre una crítica alentadora y parcial. Es extremadamente difícil ser artista sin esta ayuda que ahorra tiempo. Un esposo sería bastante inútil.

Merritt creó pinturas femeninas de flores, notando el simbolismo floral femenino empleado por artistas masculinos como Charles Courtney Curran y Robert Reid, dijo que vio “las flores como” grandes damas “y señaló que” la suya es la languidez de la alta reproducción y el descanso y calma de la ociosidad cansada “.

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