Archivos: Mujeres Artistas

El descubrimiento de la cueva de Altamira, a finales del siglo XIX, y más tarde las de El Castillo (Cantabria), Maltravieso (Cáceres), La Mouthe (Francia), Niaux (Francia), Font de Gaume (Francia), Lascaux (Francia), Chauvet (Francia), Cosquer (Francia), Tito Bustillo (Asturias) y muchas otras más en España y Francia, la Cueva de las Manos (Argentina) y la cueva Kimberley (Australia) pusieron en evidencia la existencia de una importante tradición de arte rupestre de más de 25.000 años de antigüedad. Con más de 300 cuevas registradas, el arte parietal paleolítico se caracteriza por encontrarse en profundas grutas, y por representar, entre otras formas, animales ya extintos, o migrados la otras regiones, como mamuts, bisontes, renos, pingüinos, leones y rinocerontes.

Altamira (Cantabria)

El Castillo (Cantabria)

Maltravieso (Cáceres)

Tito Bustillo (Asturias)

La Mouthe (Francia)

Niaux (Francia)

Font de Gaume (Francia)

Lascaux (Francia)

Chauvet (Francia)

Cosquer (Francia)

Pech Merle (Francia)

Les Combarelles

Rouffignac

Cueva de las Manos (Arxentina)

Kimberley (Australia)

Las Mujeres en la Prehistoria

Las investigaciones de antropólogos, arqueólogos y etnógrafos sugieren que la mujer prehistórica no estaba sometida al hombre. «En la mayoría de las sociedades de cazadores- recolectores, los hombres se encargaban de la caza (existían sociedades en las que eran las mujeres las que se encargaban de la caza), pero a menudo eran las mujeres las que llevaban las piezas al asentamiento, por lo que estaban igual de implicadas en las cacerías que los hombres». Las pinturas rupestres ilustran escenas de caza, por tanto siempre se creyó que las huellas que están próximas la estos dibujos pertenecen a hombres, siendo así una especie de firma. También existe la idea de que lo hacían por superstición, como una forma de garantizar el éxito de futuras cacerías. Un arqueólogo de la Universidad de Pensilvania, Den Snow realizó un estudio en las cuevas con pinturas rupestres de España y Francia que arroja una conclusión sorprendente: la mayoría de las impresiones fueron realizadas por mujeres.
Snow comenzó su estudio cuando descubrió el trabajo del biólogo británico John Manning, que reveló que la longitud relativa de los dedos es diferente en hombres y mujeres.
Snow comparó la longitud de los dedos (sobre todo la proporción entre el índice y el anular, y también frente al meñique) y el volúmen de la mano: las mujeres solemos tener los dedos anular y índice de aproximadamente la misma longitud, mientras que el dedo anular de los hombres suele ser más largo que el índice.

Utilizando un sencillo algoritmo esos datos arrojan conclusiones sobre se a mano perteneció a un hombre o una mujer. Se da la circunstancia de que estas diferencias son mucho más marcadas entonces que en la actualidad. La investigación dejó como resultado que:

• el 25% de las huellas prehistóricas de palmas de manos en paredes de cuevas españolas y francesas fueron dejadas por hombres (10% adultos, 15% adolescentes)
• mientras que el 75% restante pertenecían a mujeres.

Y dejó estas reflexiones:

Que las habilidades pictóricas rupestres de la mujer fueran ignoradas a lo largo de la historia.

Que las teorías antropológicas de científicos que afirman que la mujer tenía una destreza manual superior a la del hombre, cojan bastante peso, pudiendo llegar a demostrar mediante más investigaciones, si fue la mujer quien construyera útiles de caza y no el hombre.  Dato que de ser verdad, sería muy esclarecedor a la hora de estudiar el desarrollo del hombre y de su historia hasta nuestros días.  

Geneviève Boullogne, Boullongne o Boulogne fue una pintora francesa y miembro de la Académie royale de peinture et de sculpture.

Nació en París, era hermana de los pintores Bon, Madeleine y Louis. Como todos sus hermanos, estudió pintura con su padre Louis de Boullongne, uno de los fundadores de la Real Academia de Pintura y Escultura. Colaboró ​​con Madeleine en los grandes apartamentos del Palacio de Versalles. Más tarde trabajó en Aix-en-Provence y se casó con el escultor Jean-Jacques Clérion.

Geneviève y su hermana Madeleine fueron admitidas en la Académie real de peinture et de sculpture el 7 de diciembre de 1669 Geneviève gracias a una pintura de un “jarrón grande lleno de diversas flores y una alfombra de Damasco” (que se perdió). Pintó principalmente temas históricos y naturalezas muertas, especialmente de flores y frutas.

Desde 1673 hasta al menos 1675, trabajó en el castillo de Versalles, en construcción, decorando los apartamentos reales en particular. En el Salón 1673, Geneviève exhibió un Paisaje.No hay trabajos existentes por Geneviève de Boullongne, que se especializó en flores y paisajes. Los trofeos de armas que todavía están en vigencia en los Apartamentos de la Reina a menudo se sostienen tanto por Geneviève como por Madeleine, pero el catálogo del Salón de 1673 y el inventario de las pinturas del rey realizadas en 1709-10 por Nicolas Bailly los atribuyen a Madeleine sola.

María Eugenia de Beer fue una grabadora calcográfica activa en Madrid, hija del pintor Cornelio de Beer. Firmó sus obras anteponiendo siempre el título de «doña».

Maria Eugenia de Beer fue un caso único en la Corte española de la primera mitad del siglo XVII. La artista está considerada como una de las primeras grabadoras y casi toda su obra –sesenta y ocho láminas- se conserva en la Biblioteca Nacional de España.

Su condición de mujer en el panorama artístico del momento supone un elemento excepcional: es la única grabadora de la que se tiene constancia en estas décadas en Madrid. La BNE conserva prácticamente toda su producción, compuesta en su mayor parte de portadas de libros y de retratos, los dos géneros fundamentales del grabado barroco español.

El primero en ocuparse de ella fue Ceán Bermúdez, quien la tenía por discípula de su padre y decía de ella que había grabado «con dulzura algunas obras que le hacen digna de este lugar».

Anteriores en un año a su matrimonio son los primeros trabajos conocidos: la portada alegórica del Sumo sacramento de la fe, obra del jesuita Francisco Aguado y la del Tomo Segundo de los opprobios q(ue) en el árbol de la cruz oyó Xro. q(uan)do dixo las siete palabras, de fray Francisco de Rojas. Dedicado al conde duque de Olivares, la portada calcográfica, poco convencional y de compleja iconografía, presenta el título del tratado dentro de un pedestal del que brota un árbol rematado en cruz, y sobre él, enmarcados en óvalos, los retratos del rey Felipe IV, del príncipe Baltasar Carlos, llamado «princeps pacis», y del conde duque, unidos los tres por una rama del árbol, con la inscripción: «Facit hic utraque unum».

Del año siguiente es el frontispicio de los Discursos espirituales de Juan de Palafox y Mendoza, impreso en Madrid por Francisco Martínez, 1641, con el retrato de la reina Isabel de Borbón en óvalo flanqueado por los retratos de santas Isabel de Hungría e Isabel de Portugal.​

Entre sus láminas grabadas, sobresale el retrato Diego de Narbona que figura en Annales tractatus iuris… de Tomás Tamayo de Vargas. Es la obra maestra de la autora, en la que se ha destacado la profundidad psicológica, la delicadeza y la acertada volumetría de la figura. Además, fue realizada en colaboración con uno de los mejores pintores del momento Juan Bautista Maino, autor del dibujo.

De Beer realizó al menos sesenta y ocho grabados, sin embargo, gran parte de ellos se concentra en dos grupos numerosos: treinta en los Exercicios de la gineta al Principe nuestro señor D. Baltasar Carlos, de Gregorio de Tapia y Salcedo y veinticuatro en el Cuaderno de aves, realizado también para el príncipe Baltasar Carlos, obra de la que solo se conoce un ejemplar en la colección del Banco de España, que puede ser fechado hacia 1637-1639, por lo que sería la primera obra de la artista.

Más convencional conforme a los usos editoriales del siglo XVII es la portada del libro Guerra de Flandes, del cardenal Guido Bentivoglio, traducido del toscano por Basilio Varen de Soto y del mismo año es la portada calcográfica con dos caballos en atrevidos escorzos, el retrato del príncipe Baltasar Carlos de catorce años y veintiocho estampas grabadas con escenas de doma, caza y tauromaquia, para el libro de Gregorio de Tapia y Salcedo, Exercicios de la gineta al príncipe nuestro señor D. Baltasar Carlos. 

Su producción se concentró entre 1640 y 1645 y fue bastante reducida, ya que fuera de estos dos volúmenes, apenas hay otras catorce obras.

Ana Heylan fue una grabadora calcográfica en aguafuerte y buril activa en Granada, miembro de una familia de artistas dedicados todos ellos, según Ceán Bermúdez a «grabar a buril con limpieza y corrección estampas de santos, portadas de libros y otros asuntos en pequeño por el gusto y estilo de los artistas flamencos».

Hija del grabador de origen flamenco Francisco Heylan, es probable que naciera en Amberes, antes de que la familia se instalara en España. Trabajó con su padre en Granada, continuando su labor a la muerte de éste. Grabó algunas estampas sueltas de devoción, pero, fundamentalmente, láminas para libros, como portadas, retratos y escudos de armas.

Anna colaborará con su padre en el taller de su propiedad, un taller de calcografía y tipografía que gozaba de cierto reconocimiento en la Granada del momento, iniciándose en la técnica de la calcografía como un aprendiz más. Así fue para otras artistas del grabado conocidas en la España del XVII como María Eugenia de Beer, que trabajó con notable éxito en Madrid y María Luisa de Morales, pintora y grabadora, hija del pintor Juan de Valdés Leal, que lo hizo en Sevilla. 

Las tres pertenecían a familias de artistas, lo que les permitió no sólo el aprendizaje en las respectivas técnicas sino también el que, tras este y ya como profesionales, recibieran encargos, en un contexto de fuerte demanda de grabados especialmente y en esta época para su incorporación en obras impresas, aunque también se utilizaban para la distribución de imágenes en estampas sueltas. 

El grabado calcográfico, en planchas de cobre generalmente, estaba dejando atrás al tradicional grabado xilográfico realizado en madera. Mucho más barato que este, permitía tiradas más amplias de imágenes, contribuyendo así a la popularización y democratización de las mismas. La expansión de la imprenta y la creciente demanda de obras con láminas grabadas favorecieron la multiplicación de talleres de grabado que, en muchos casos y dada la falta de una tradición calcográfica en España, estuvieron a cargo de flamencos, alemanes y franceses. 

Anna firmaba sus obras como “Anna Heylan fecit” a la que añadía el nombre de la ciudad de Granada. Anna Heylan, trabajó para distintos talleres tipográficos granadinos, especializándose en portadas de libros. Sus portadas son fieles al estilo barroco que se ha descrito y también al estilo propio del taller de su padre. En este sentido es preciso tener en cuenta que el grabado arquitectónico exigía, además del dominio de las técnicas de la calcografía, a buril o con aguafuerte, un buen conocimiento de la perspectiva y de los principios de la arquitectura.

Se han conservado varias obras de Anna Heylan, testigos de su participación en algunas de las ediciones de libros más destacadas de la Granada de su tiempo. 

Su primera obra firmada es la portada con el escudo episcopal del tratado del dominico Juan de Mata Santoral de los santissimos patriarcas (…) Santo Domingo, y San Francisco, y de los Santos de entrambas sagradas religiones, impreso en Granada por Blas Martínez, 1635. 

Para Francisco Bermúdez de Pedraza, canónigo de la catedral granadina, grabó las portadas arquitectónicas de El secretario del rei, 1637, Historia eclesiástica, principios y progressos de la ciudad y religión católica de Granada, 1638, Historia eucharística y reformación de abusos, 1642, y Hospital Real de la Corte, 1645.

De su mano es también la portada de la obra Triunfales celebraciones que en aparatosos majestuosos consagró religiosa la ciudad de Granada a honor de la Pureza Virginal de María Santísima en sus desagravios… (Granada, 1640) de Luis de Paracuellos, para la que dibuja una bellísima Virgen con el Niño y considerada uno de sus grabados más destacados, así como la portada de Defensa en derecho por la Inmaculada Concepción de la Virgen Santísima María Madre de Dios y Señora nuestra… (Granada, 1654), en la que nuestra artista prescinde de los habituales escenarios arquitectónicos y apuesta por una composición más sencilla y original. 

Muy original es la portada de su última obra firmada, la del libro de Fernando Vergara Cabezas Defensa en derecho por la Inmaculada Concepzión de la Virgen Santíssima María Madre de Dios y Señora nuestra, impresa por Franco Sánchez en la Imprenta Real de Granada, 1654, con la imagen de un ángel adolescente mostrando el título de la obra en un lienzo desplegado que sostiene con los brazos extendidos sobre nubes.

Merece destacarse la estampa de notables dimensiones que realizó con motivo de la conmemoración de las exequias de Isabel de Borbón, primera esposa de Felipe IV, en 1644. En la época era costumbre la celebración de exequias por el fallecimiento de los monarcas y otras personalidades ilustres, para lo que se procedía al levantamiento de Túmulos o estructuras efímeras. El sermón fúnebre correspondiente y la descripción de las exequias formaban parte de una Relación de estas celebraciones que habitualmente se imprimía con posterioridad. Realizará el Túmulo de Granada a la Reina Isabel de Borbón, incorporada en la Relación Historial de las Exequias. El túmulo distribuido en cuatro cuerpos contenía jeroglíficos, escudos y símbolos alusivos a la Reina difunta a través de los que se trataba de expresar su paso por el mundo, su estatus y su poder temporal y la esperanza en la vida de ultratumba. La finalidad del monumento era ensalzar a la Reina por ello el tema de los jeroglíficos serán las virtudes y obras de misericordia que la difunta había cultivado en su paso por el mundo, aunque tampoco faltarán la alusión a su linaje ni la recreación de su poder temporal en las alegorías que refieren las virtudes que tuvo como gobernante. Todo ello se recreará en una estampa en la que Anna Heylan demuestra su capacidad y minuciosidad como grabadora y sus conocimientos de arquitectura renacentista.

Nacida en Marina di Massa en 1901, se mudó con su familia a Turín durante la Gran Guerra. Con sus hermanas Maria y Ada Marchesini, pertenece al círculo intelectual de jóvenes reunidos en torno a Piero Gobetti y sus revistas. 

Alrededor de 1911 se mudó con su familia a Turín, donde comenzó a estudiar piano y, mientras tanto, siguió practicando dibujo. 

En el primer período de posguerra se unió al entorno de Gobetti, asistiendo, junto con sus hermanas Maria y Ada, a los intelectuales que gravitaban en torno a la revista Energie Nine , incluido C. Levi, con quien Nella comenzó un proyecto de cenáculos artísticos. 

Es la primera alumna de Felice Casorati, donde trabajará codo a codo con muchos compañeros y compañeras, incluidas Lalla Romano, Paola Levi Montalcini, Daphne Maugham, Albino Galvano, Marisa Mori.

En las primeras obras de Nella prevalece una predilección por los bodegones y temas inspirados en su propia vida familiar, traducidos a formas supervisadas, acuerdos tonales sobrios y geometrías claras, de acuerdo con una elección de rigor cargada de una fuerte tensión ética y religiosa que siempre caracterizará profundamente su obra. 

Después del debut en Turín en 1921 en una exposición de Blanco y Negro (Galería Central de Arte), en la que participó con Casorati y Avondo, hasta 1930 Nella continuó compartiendo con los otros estudiantes de la escuela la oportunidad de exhibir sus obras junto a las del maestro. Las primeras participaciones en importantes eventos públicos se remontan a 1926: presente con siete pinturas en la Exposición de vistas de Turín, en el mismo año Nella también hizo su debut en el Promotor de Turín. A partir de esta fecha, intensificó su actividad expositiva, participando durante varios años en diversas exposiciones de Promotrice, en varias ediciones de la Bienal de Venecia y la Cuadrienal romana.

La escuela Casorati es un “claustro”, como la llamará la propia artista, el espacio de un aprendizaje severo y disciplinado y, al mismo tiempo, un lugar abierto, frecuentado por amigos y personalidades como Mario Soldati, Giulio Carlo Argan e Italo. 

La década de 1920 estuvo marcada por una serie de eventos importantes. La reunión con el pintor de Turín Ugo Malvano probablemente data de 1929, con la que Nella se casó y con quien tendrá tres hijos: Laura, Renzo y Anna. 1930 es también el año del desprendimiento de la escuela de Casorati y la muerte de su padre, cuya figura “blanca y luminosa”, ya recurrente en muchas obras de Nella continuará siendo una presencia central en el universo poético del artista.

A partir de esta fecha, la actividad de exhibición de Nella gradualmente se hizo menos frecuente, hasta que se detuvo en 1937. Los años siguientes, marcados entre otras cosas por la muerte de su hermana María y por la marginación de su esposo a Debido a la promulgación de las leyes raciales, en realidad se caracterizaron por una brecha creciente entre la riqueza y la articulación de la investigación de Nella, expresada tanto en la producción pictórica como en la producción literaria igualmente intensa, y su aislamiento progresivo con respecto al panorama artístico contemporáneo.

Las figuras extraídas del universo familiar habitual, desnudos, autorretratos, bodegones, fueron los temas recurrentes en la producción de estos años en los que los esquemas compositivos de ascendencia casoratiana parecen forzados por un espiritismo sufrido y una acentuación expresionista sin precedentes.

Obras que, en la elección temática, resaltan el deseo de la pintora de identificar su propio universo poético y profesional en los confines de la familia y el espacio doméstico, en una densa relación de correspondencias entre la realidad figurativa y su propio mundo interior, y transmitirlo a través de una autonomía absoluta de lenguaje.

El período de posguerra, con el regreso a Turín en 1945, estuvo marcado por un cierto renacimiento de la actividad de exhibición. En 1946, Nella, que había seguido pintando durante la guerra, organizó una exposición individual con su esposo en Turín (galería La Bussola); en 1948 expuso en la V Quadriennale, participando posteriormente en varias otras exposiciones colectivas. Durante estos años, en su producción, que incluye varias composiciones en las que resurgen temas y personajes del pasado (las hermanas, el padre, los momentos de la vida familiar), surgió, especialmente después de la muerte de su hermana Ada, una tensión más dramática.

Leila T. Bauman fue una pintora estadounidense. Casi nada se sabe de su vida.

Se sabe que Bauman vino de Verona, Nueva Jersey, cerca de Newark, pero una búsqueda de registros genealógicos y de otro tipo aún no ha proporcionado más información sobre su vida y carrera. Es posible que haya trabajado para Currier e Ives en algún momento. Actualmente, sus dos pinturas conocidas son el paisaje de los ríos al óleo sobre lienzo de la Colección Edgar William y Bernice Chrysler Garbisch de la Galería Nacional de Arte. Uno se titula Gansos en vuelo, y el otro Barco de correo de los Estados Unidos; La evidencia interna data de las dos pinturas en la década de 1850, y sugiere que se inspiraron en las vistas del área de la ciudad de Nueva York.

Geese in Flight fue incluida en la exposición inaugural del Museo Nacional de Mujeres en las Artes, American Women Artists 1830–1930, en 1987.

Norah Borges, seudónimo de Leonor Fanny Borges Acevedo , fue una artista plástica y crítica de arte argentina perteneciente al Grupo de Florida, hermana del escritor Jorge Luis Borges.

Estudió en la École des Beaux-Arts de Ginebra con el escultor clasicista Maurice Sarkisoff y con Arnaldo Bossi en Lugano, cerca de expresionistas alemanes exiliados como Ernst Kirchner; con Bossi aprendió xilografía y la estética expresionista, según declaró ella misma en un reportaje de 1940 en la revista Atlántida. En Suiza escribió e ilustró su primer libro poético, Notas lejanas (1915). La estancia en Europa se alargó a causa de la Primera Guerra Mundial hasta 4 años. Tras viajar por toda la Provenza (Norah queda muy impresionada por Nîmes, a cuyo paisaje dedica algunas piezas) entran en España, donde amplió sus estudios y participó en las Vanguardias. Van primero a Barcelona y luego, en 1919, a Palma de Mallorca, donde Norah estudió con Sven Westman; allí los hermanos Borges colaboraron en la revista Baleares (Norah su “Músicos ciegos”, etcétera); fueron luego a Sevilla, donde entraron en la Vanguardia del Ultraísmo; publicó trabajos suyos en Grecia, Ultra, Tableros y Reflector, así como, en 1920, el proyecto de portada para El jardín del centauro, un libro de poemas de Adriano del Valle; pasan por Granada y finalmente recalan en Madrid, donde Norah estudió con el pintor Julio Romero de Torres. Allí entabló amistad además con Juan Ramón Jiménez, algunos de cuyos poemas ilustró, y quien le dedicó uno de los retratos líricos de su libro Españoles de tres mundos. Vuelven luego a Palma de Mallorca en junio de 1920.

En marzo de 1921 toman un barco de retorno a Buenos Aires. Como pintora naïf, Norah se vinculó a la vanguardia literaria formada por el Grupo de Florida; desde Prisma empezó a divulgar el Ultraísmo en Argentina, pero entonces explotó el influjo del Cubismo que había empezado a asimilar con sus contactos franceses en España en sus ilustraciones para revistas como Mural, Proa o Martín Fierro, recuperando las imágenes de balaustradas y maceteros de las casas porteñas e imágenes en extinción como las que habitan la primera edición de Fervor de Buenos Aires (1923), el libro poético de su hermano Jorge Luis.

En 1923 la revista surrealista francesa Manomètre de Lyon y en 1924 Martín Fierro publicaron sus pinturas. En 1926 expuso 75 trabajos (óleos, xilografías, dibujos, acuarelas y tapices) en la Asociación Amigos del Arte. Contrajo matrimonio en 1928 con Guillermo de Torre, escritor y crítico español, estudioso del movimiento ultraísta y gran experto en las vanguardias artísticas y literarias, a quien había conocido en España cuando apenas tenía 19 años.

En la Segunda Guerra Mundial fue vocal suplente en la Junta de la Victoria en la Argentina, asociación feminista antifascista que dirigían Cora Ratto de Sadosky y Ana Rosa Schlieper de Martínez Guerrero; en ella militaron la escritora María Rosa Oliver, la fotógrafa Annemarie Heinrich, la psicoanalista Mimí Langer, la artista Raquel Forner y la poeta Silvina Ocampo. Norah ilustró la edición de su Cuaderno San Martín como había hecho antes con Luna de enfrente y Fervor de Buenos Aires y los libros Las invitadas (1961) y Autobiografía de Irene (1962) de Silvina Ocampo.

Ejerció la crítica de arte en Anales de Buenos Aires bajo el pseudónimo de Manuel Pinedo. Investigó sobre el grabado y no dejó de pintar prácticamente hasta su muerte, aunque regalaba su obra y no cuidó de realizar exposiciones regularmente.

En 1942 se publicó en Argentina una edición de Platero y yo de Juan Ramón Jiménez con ilustraciones y viñetas de Norah, y también ejerció como artista gráfica en otros libros de los españoles emigrados en Argentina como Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti y León Felipe. Ilustró también no sólo los de su hermano, sino los de otros escritores argentinos como Silvina y Victoria Ocampo, Adolfo Bioy Casares, Norah Lange y Julio Cortázar. También diseñó la escenografía de una obra teatral de Federico García Lorca. 

Utilizó las técnicas del óleo, la acuarela, el grabado, la xilografía, el dibujos a tinta y lápiz, las témperas, el acrílico y el tapiz.

Norah Borges fue considerada cómo su hermano integrante de un grupo de escritores que fue conocido como el Grupo Florida denominado así porque la revista en la que publicaban se ubicaba en las cercanías de dicha calle de Buenos Aires, y se reunían en la Confitería Richmond, que incluyó escritores cómo Victoria Ocampo, Leopoldo Marechal, Oliverio Girondo, entre otros escritores argentinos, en contraposición dialéctico literaria con el recordado Grupo Boedo, que publicaba en la Editorial Claridad y se reunía en el Café El Japonés, de raigambre mucho más humilde, con integrantes cómo Roberto Arlt, entre otros.

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Julia Bracewell Folkard fue una pintora británica.

Fue estudiante en la Royal Academy. Compartió una medalla de plata con Julia Cecilia Smith por sus pinturas. La medalla de oro de ese año fue llevada por Jessie MacGregor. Se observó cómo estas tres mujeres revelaron la tontería de las reglas que excluían a las mujeres de convertirse en miembros de pleno derecho de la Real Academia.

Se convirtió en una pintora de retratos y géneros que fue expositora frecuente en la Royal Academy y Suffolk Street desde 1872. Su pintura I Showed the the Ring and Implored Her to Marry se incluyó en el libro de 1905 Mujeres Pintoras del Mundo.

Helen Allingham (de soltera, Helen Mary Elizabeth Paterson) fue una conocida acuarelista e ilustradora inglesa de la época victoriana.

En 1867 marchó a estudiar arte a la Female School of Art de Londres, y se convirtió en ilustradora de libros para niños. Fue una gran amiga de Kate Greenaway.

Ilustró varios libros, incluyendo Six to sixteen: a story for girls (1876), Happy England (1903) y The homes of Tennyson (1905), escrito junto su hermano Arthur Paterson.

Tras su matrimonio con Allingham, se dedicó a la acuarela, y fue la primera mujer en convertirse en pleno miembro de la Royal Watercolour Society. Además de paisajes, realizó varios retratos, incluyendo uno de Thomas Carlyle. Es más conocida por sus escenas rurales, particularmente sus encantadoras vistas de cottages de Surrey y Sussex.

Jessie Macgregor fue una pintora británica.

Macgregor aprendió a dibujar en la academia de dibujo de Liverpool, dirigida por su abuelo Andrew Hunt. Sus padres se fueron a vivir a Londres y ella comenzó a estudiar pintura allí, convirtiéndose en alumna en las Escuelas de la Royal Academy, donde sus maestros eran Lord Leighton, P. H. Calderon, R.A. y John Pettie, R.A. 

Ella ganó una medalla de oro en la Royal Academy por la pintura de historia en 1871. Fue la segunda mujer después de la medalla de oro de Louisa Starr en 1867, y la última mujer en hacerlo hasta 1909. Ella venció a Julia Cecilia Smith y Julia Bracewell Folkard. Se observó cómo los logros de estas tres mujeres revelaron la tontería de las reglas que excluían a las mujeres de convertirse en miembros de pleno derecho de la Real Academia.

Macgregor exhibió su trabajo en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.

Su pintura In the Reign of Terror se incluyó en el libro de 1905 Mujeres Pintoras del Mundo.

Lucy Tejada Sáenz fue una artista colombiana contemporánea.

Lucy Tejada Saenz nació en Pereira, Colombia el 9 de octubre de 1920 y murió en Cali, Colombia el 2 de noviembre de 2011, proviene de una familia de artistas su hermano Hernando Tejada también fue pintor. 

Estudio su bachillerato en el Liceo Belalcázar. Tras la muerte de su madre, Lucy se trasladó a Bogotá a estudiar en la Universidad Javeriana Arte y Decoración, y de ahí pasó a la Escuela de Bellas Artes donde se gradúa. Allí conoce al también pintor Antonio Valencia, que más tarde sería su esposo.

Completó su formación en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Escuela de Artes Gráficas de Madrid, España. Después de un viaje a la Guajira, en el año 1947 hace su primera exposición. En los años 50 viajó durante cinco años por Europa viviendo estancias en Madrid, París y Bucarest, donde descubre los grandes museos del mundo y donde reafirma su pasión por la plástica.

Tiene obras en el Club Rialto de Pereira, el museo la tertulia de Cali y en la Biblioteca Luís Ángel Arango, de Bogotá. Figura como pintora expresionista con figuración poética, donde abunda la inspiración sensual y erótica. Sus personajes, seres imaginarios de ojos negros y profundos viven en sus pinturas, que se parecen a su mundo, un mundo hermoso, ideal, habitado sólo por mujeres y niños. 

Lucy Tejada ha sido una de las creadoras más talentosas e ingeniosas que han surgido en Colombia. Ella tuvo muchas facetas como pintora, dibujante, muralista, grabadora e investigadora de variadas técnicas. Aunque estuvo retirada varios años debido a su ceguera, su obra ya se había consolidado como un referente indiscutible en el arte contemporáneo colombiano. Desde la década de los años cincuenta, su obra tuvo gran proyección internacional cuando participa de bienales en Venecia, Sao Paulo, México, Córdoba-Argentina, Medellín, San Juan-Puerto Rico y La Habana-Cuba.

Caricaturista, actriz y escritora británica de origen francés.

Isabelle Émilie de Tessier que trabajó bajo el seudónimo de Marie Duval, fue una dibujante francesa, conocida como co-creadora del personaje de dibujos animados seminal de Ally Sloper.

Como co-creadora de Ally Sloper con su marido Charles Henry Ross, Tessier fue una de las primeras mujeres dibujantes en Europa y una de las cuatro colaboradoras de la revista satírica británica Fun, editada por Ross. 

Además de las tiras cómicas Ally Sloper, Duval produjo numerosas ilustraciones, dibujos animados y tiras cómicas de página completa para la revista a mediados del siglo XIX. 

Cuando al personaje de Ally Sloper se le dio su propia revista, las historietas de Duval fueron reimpresos sin su firma.

Duval también fue actriz en el teatro inglés y autora de Queens and Kings and Other Things, una colección de versos ilustrados sin sentido publicados bajo el seudónimo de la princesa Hesse Schwartzbourg.

Ellen “Nelly” Thayer Fisher fue una ilustradora botánica estadounidense. Fisher exhibió sus pinturas en la Academia Nacional de Diseño y otras exposiciones. Fue una colaboradora activa de las exposiciones de la Sociedad Americana de Acuarelas, que comenzó en 1872. Además de mostrarse en galerías y exposiciones, sus pinturas de flora y fauna fueron ampliamente reproducidas como cromolitografías por el editor de Boston Louis Prang,

Ellen probablemente fue autodidacta, pero puede haber aprendido técnicas de dibujo y pintura de su hermano menor, el artista Abbott Handerson Thayer, Denegado el acceso a modelos desnudas debido a su género, se centró en la flora y la fauna. Ella es mejor conocida por sus acuarelas.

Fisher participó activamente tanto antes como después de su matrimonio en la Asociación de Arte de Brooklyn, en las exhibiciones de la Academia Nacional de Diseño, en la Academia de Pensilvania y la American Water Color Society.

Fisher trabajó para Louis Prang, cuya compañía utilizó sus obras y las de muchas otras artistas para producir tarjetas de felicitación con cromolitografía, Fue una de las ilustradoras de las fantasías Flower de Alice Ward Bailey, descrita como un “volumen exquisito”, “encantador tanto para la vista como para la mente”.

Fisher exhibió su trabajo en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, Illinois.